Blog da Semana Luiz Antônio

2011-06-28T23:36:00.003-03:00

Esta é a primeira vez que participo deste acontecimento cultural que chega agora à sua 23ª edição: Semana Luiz Antonio Martinez Corrêa. Essa maratona - mais de 20 espetáculos de teatro, exposições, mesa redonda, cafés de investigação, shows de música, ao longo de 10 dias – só vem confirmar a vocação teatral de Araraquara. Agradeço o convite da Euzânia, do Jorge e as boas vindas da Flávia, grato, grato, muito grato... Exercitar meu olhar, minha atenção e minha capacidade de traduzir o que eu assisti nesses dez dias só me fez aprender mais... Com uma alegria e um prazer que há muito não experimentava.

Conheci o Luiz Antônio em 1967 durante a apresentação do show de calouros (Bishow) no antigo Centro Acadêmico Faculdade de Filosofia Ciências e Letras (hoje Casa da Cultura que tem seu nome). Naquela noite o Luiz me convidou para integrar o TECO (Teatro de Colégio) que nesse mesmo ano transformamos em TUA (Teatro Universitário de Araraquara). Durante cinco anos, dirigido por ele, o TUA foi o manifesto vivo da nossa rebeldia. Palco de uma história que fico feliz de compartilhar com os novos e os jovens amigos que agora fiz. Obrigado Luiz...

Eduardo Montagnari (Tatoo)

OLHOS NOS OLHOS COM BIA E LARISSA

2011-06-27T00:56:00.000-03:00

Vocês têm razão, meninas, a 23ª SLAMC foi bastante diversificada, como deve ser um festival que se propõe apresentar e discutir essa ampla esfera que é o fazer teatral. Pois é a partir dessa diversidade de formas, espaços, estéticas, temas que nós construímos um olhar crítico. É bom ver aquilo a que já nos habituamos, mas também o novo, o estranho o ousado, experimentar é a base de tudo, tanto para o ator/diretor, quanto para o espectador. E poder voltar a ser criança é um prazer que a gente sempre deve se proporcionar.

Flávia Marquetti

O OLHAR SONORO DO BATE LATA

2011-06-26T20:48:00.000-03:00

O último dia da 23ª SLAMC teve o espetáculo Bate Lata e Vira Lata, da Cia Tárcio Costa, também de Araraquara. Desculpa aí Tárcio, eu postei, na onda do povo, que o Chá das Duas era a única peça da cidade e esqueci de você.

A Cia, mesmo com o frio e o vento, esquentou a platéia, sempre muito divertidos, brincando com o público adulto e infantil, fizeram o show. Mesclando música e, digamos, esquetes teatrais, o Bate Late apresenta uma proposta lúdica e educativa (como em outros trabalhos) que visa despertar a consciência ecológica ao utilizar, além dos instrumentos musicais tradicionais, sucatas para fazer som... e som de boa qualidade, que fez o público infantil dançar, rir e o adulto também, por sinal, os adultos sempre aproveitam a desculpa de levar as crianças para se esbaldarem nas peças, foi assim no Gato Malhado (que teve marmanjo chorando de rir na platéia), e hoje, com o Bate Late, com direito a participação especial no espetáculo.

Não posso deixar de chamar a atenção para a simpática indumentária do grupo, sobretudo a camiseta... com as claves de sol e de fá formando um coração. Amor pelo teatro, pela música! Nada mais adequado para o encerramento da semana. Agora é esperar a 24ª... já bateu saudades.

Deixo aqui o meu mais sincero agradecimento a todos os atores, diretores, produtores, iluminadores, contra regras, enfim, todos que transmutam sonho em “realidade” no palco e, apesar de todas as dificuldades, encaram a estrada e fazem o mundo ser mais HUMANO, trazendo olhares coloridos e diferentes para o cotidiano cinza da cidade. Não é à toa que, desde o surgimento da primeira trupe de teatro, eles têm passagem livre por todo o mundo, mesmo em períodos de guerra. Valeu! Evoé, embaixadores da vida!!!

Flávia Marquetti

2011-06-26T20:33:00.000-03:00

BATE LATA E VIRA LATA

Eu poderia desfiar um rosário de bons adjetivos para expressar a qualidade do trabalho da Cia Tárcio Costa. Eu já tinha ficado encantado com o que tinha visto em vídeo. Pensei na ocasião em como Araraquara tem sorte de poder contar com um trabalho como o que Tárcio Costa conduz.

Durante muito tempo colaborei na seleção de espetáculos para o Festival Nacional de Teatro Infantil de Blumenau... Ainda que muita coisa, bons grupos, bons artistas, boa dramaturgia, grandes direções circulem pelo universo disso que chamamos teatro infantil, não são exatamente bons trabalhos que alimentam o comum desse teatro. Tárcio Costa tem luz própria nesse universo.

Inteligente. Muito inteligente. Sensível. Muito sensível. Criativo. Muito criativo. Interativo. Muito interativo... Tudo isso e muito mais desenha o perfil do Bate Lata e Vira Lata que vimos esta tarde. Três músicos/atores puderam demonstrar com habilidade a máxima de Bertolt Brecht de que falamos no início da Semana Luiz Antônio: a de “há muitos objetos em um só objeto”, inclusive sonoros, musicais... Baldes, garrafas, chinelos são objetos que o talento de Tárcio Costa transformou em instrumentos musicais com a colaboração de Raquel Nascimento e Luiz Carlos Ferreira (músicos/atores).

Direção, texto e canções eficientes... Certamente que ao ar livre apresentação do grupo é diferente de uma apresentação em um palco de teatro. Mas, nem por isso menor... Ficamos sem a iluminação de Rodrigo de Prince (que estava no som, creio), mas em cena estavam as cores dos figurinos de Marilaine de Souza... Vale dizer ainda, que o empenho dos atores numa tarde que nos brindava com um vento frio, foi louvável (tanto quanto a permanência do público). Assim, ali na pequena Praça do Daae, as crianças e adultos presentes puderam descobrir participando, experimentando e brincando, que em tudo existe música... Porque música se faz com tudo.

Eduardo Montagnari

2011-06-26T03:15:00.001-03:00

CASA / CABUL: um espetáculo grandioso e moroso

Fotos: Lívia Cabrera

“Uma dona de casa inglesa expõe detalhes de sua vida e seu fascínio pela beleza do exótico Afeganistão ao ler um guia de viagem antigo. Nessa jornada por montanhas, desertos e cidades esquecidas, ela arrasta atrás de si seu marido e sua filha, provocando o encontro com a delicadeza e coragem da alma afegã. Casa / Cabul trata, entre outras coisas, de jornadas. A jornada de uma dona de casa em direção à sua mítica, sonhada e simbólica Cabul. A jornada de uma bibliotecária afegã em direção à cultura ocidental. A jornada de uma filha em direção à sua mãe. A jornada de todos nós em direção em direção ao Outro, tão diferente de nós embora, ainda assim, tão parecido. Uma multiplicidade de pontos de vista, que expõe a riqueza e complexidade do mundo em que vivemos, onde não há mais santos ou vilões”.

Essa é a informação que o público dispunha para assistir Casa / Cabul que aconteceu neste sábado. Depois de algumas encenações que romperam com a tradicional relação palco platéia (ou pelo menos com a chamada “quarta parede”), a Semana Luiz Antonio recebeu um espetáculo de abrir e fechar cortinas, de dois atos e quase três horas de duração. E considerando a grandeza do que foi levado ao palco do Municipal é lamentável que o “Núcleo Experimental de Teatro” não tenha se preocupado em oferecer material (um programa) com informações que pudessem aproximar seu grandioso espetáculo de um público que depois do intervalo, desinteressado, acabou em boa parte desistindo de acompanhar o desenvolvimento moroso do drama encenado.

O teatro não pode e nem deve se curvar à rapidez com a qual nosso mundo determina como tudo deve se processar. Seu tempo é outro. Mas esse também é um dado que não livra uma direção e um elenco de emprestarem ao seu trabalho um ritmo que o torne mais prazeroso, cortando, adaptando e reorganizando cenas, uma vez que teatro não é o que se lê, mas o que se encena.

Casa / Cabul, do meu ponto de vista, tinha tudo nas mãos para ser algo bem maior que a incômoda sensação de frustração que o espetáculo apresentado deixou. A qualidade das vozes projetadas, que podiam ser escutadas em qualquer canto do teatro, a riqueza do cenário, dos adereços, a beleza da iluminação, dos figurinos... Tudo grandioso e belo. A riqueza dos detalhes e a complexidade de um texto elogiado. O cuidado de recorrer a assessorias sobre questões como cultura, história, línguas, etnias, comportamentos. A presença de um diretor de peso, como é Zé Henrique de Paula, de bons atores (em sua maioria)... Tudo isso se via e também se via um espetáculo que não acontecia.

Por ironia, o mais encantador e curioso, além da sonoplastia, ficou por conta do trabalho de contra-regra executado por um elenco que mostrava que a dinâmica do espetáculo bem que podia ser outra. Foram os grandes momentos da encenação onde tudo se transformava com grandeza, leveza e beleza quase mágicas para, uma vez restabelecida, a cena voltar a se arrastar... E nesse andamento nem em seus momentos mais dramáticos o espetáculo comoveu um público cuja maioria saiu do teatro sem entender muito bem o porquê (as razões) do que viu.

Eduardo Montagnari

O OLHAR EXÓTICO DE CASA/CABUL

2011-06-26T01:46:00.002-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

A apresentação de Casa/Cabul trouxe para a 23ª Semana Luiz Antônio um olhar sobre as diferenças culturais que marcam o Ocidente do Oriente Médio, sobretudo o mulçumano, mas com uma reflexão bastante interessante: a de quanto a aparente "liberdade" Ocidental, sobretudo a feminina, encontra-se esvaziada de sentido, assim como a vida da classe média.

É interessante o jogo espectral estabelecido entre a dona de casa inglesa e a bibliotecária afegã. Ambas profundamente insatisfeitas em seus relacionamentos, em sua condição de mulher, em suas vidas sociais e ambas corajosamente prontas a reverter este quadro. A inglesa sonha com o universo mítico de uma Cabul, no qual as relações não são feitas de aparência, marcada (historicamente) por lutas e conquistas. A fala da filha, já no Afeganistão, resume tudo: país no qual as pessoas que se odeiam se matam.

Destaque para o “divertido monólogo” inicial da peça no qual a inglesa alterna suas frustrações pessoais, familiares e sociais às informações obtidas em um antigo guia turístico sobre Cabul (com mais de 30 anos), enfatizando as guerras travadas no território, do hoje Afeganistão, ao longo dos séculos. A correlação estabelecida aí vai se mostrar ainda mais intensa quando, ao desenrolar-se a trama, se descobre que ela fugiu para Cabul e tornou-se esposa de um mulçumano, convertendo-se ao islamismo. Hipótese absurda para seu marido, filha e grupo social.

Em contrapartida, a afegã, mulçumana, sonha com a liberdade de expressão, deseja ardentemente poder voltar a ler livros, já que só lhe é permitida a leitura do Corão. Não sem humor, a peça faz essas duas mulheres trocarem de país, religião e maridos, convidando-nos a refletir sobre os valores impostos a cada um e a nos questionar: o que é realmente importante em nossas vidas?! As respostas podem ser bastante diversas, opostas até. Outra reflexão fundamental é sobre a noção de liberdade no Ocidente, seria realmente liberdade?!

Com interpretações muito boas, um cenário que se transformava ora na Londres moderna, ora na cidade de Cabul e uma luz muito bem desenhada, o Núcleo Experimental de Teatro, de São Paulo, resgatou o formato do teatro tradicional, o público sentado na platéia, os atores no palco, o que causou a alegria de alguns, com saudades do bom teatro convencional, sem espaços e dramaturgias alternativos. O único se não é o tempo do espetáculo, 150 min. Alguns cortes poderiam tornar a peça mais ágil e intensa, mas é sem dúvida um belo espetáculo.

Flávia Marquetti

UM BRAVO OLHAR DA BRAVA CIA

2011-06-26T01:30:00.001-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

A apresentação da Brava Cia, de São Paulo, tomou de assalto as ruas de Araraquara com o “espetáculo”: Este lado para cima – Isto não é um espetáculo. Com uma indumentária, que traz em si o próprio cenário ... ou seria o contrário?! Seja como for, o cenário/indumentária era composto por roupas que me lembraram uma mistura do esfarrapado exército de Brancaleone, rumo à libertação do Santo Sepulcro na Pré-Cruzada, a um Mad Max. O que a princípio pareciam armas de ataque, se transformaram em equipamentos de som, bancos e muito mais.

O grupo contou a história desta e de todas as cidades, a história do homem e do capitalismo, com muito humor, irreverência, boas representações, música e interação com o público. Fazendo rir, mas também refletir sobre as relações políticas, econômicas e sociais vigentes, conclamando a todos a participar desta nova cruzada, libertar um outro sepulcro: o futuro do próprio homem.

Brecht ia amar! E nós todos, literalmente, nos juntamos ao ataque da Brava, que a cada apresentação arregimenta mais gente em sua marcha final, segundo um dos integrantes. Só quem esteve presente tem a dimensão da proposta, que não cabe em uma descrição. Bravo! Bravíssima!!!

Flávia Marquetti

2011-06-25T18:25:00.004-03:00

O AMOR QUE (NÃO) OUSA DIZER SEU NOME

Fotos:Lívia Cabrera

A natureza épica do espetáculo da “Cia Filhos do Dr. Alfredo”, narrativo por excelência, convida o público a participar de uma quase conferência ilustrada sobre o tema encenado: a violência contra aqueles que têm uma orientação sexual diferente daquela que é considerada “normal”. A ponte entre o destino de encarcerado - que o conservadorismo britânico do final do século XIX reservou ao autor de “O retrato de Dorian Gray” - e excertos do conteúdo de depoimentos de parentes e pessoas ligadas às vítimas do Maníaco do Trianon, resultou em uma dramaturgia competente colocada em cena por uma direção eficiente como compete a um espetáculo que se propõe militante (e pedagógico, de certa forma) porque ousa dizer o nome do seu amor.

Mais uma vez (como em outros espetáculos que vimos nesta semana), o recurso utilizado foi levar a platéia para perto dos atores, no palco. O clima de intimidade se fez. Figurinos e adereços de cena (lixeiras, cadeiras, mesa, papéis, baú, televisão, tela) cumpriram junto com a atuação dos dois atores Alexandre Cruz e Marcelo Braga e do elenco em vídeo, uma tarefa não apenas estética, mas de informação e confirmação do que estava sendo demonstrado.

A estratégia de articular cenas dramáticas, textos narrativos e ilustrações de cenas de vídeo, criou um panorama favorável ao desenvolvimento do tema abordado. A troca em cena de elementos do figurino, o uso de cartazes, de fotografias, de um filme, completaram na medida o necessário para a realização de uma encenação engajada. Do meu ponto de vista, o traço que não chega a ser comprometedor, mas merecedor de uma revisão ficou por conta da necessidade aproximar a atuação de Marcelo Braga de um tom e de uma postura mais narrativa, épica. Quando o ator não se encontra investido dos seus papéis dramáticos, ele insiste em seguir representando, postura que seguidas vezes compromete o que o ator, não o personagem, está dizendo. E isso me parece importante porque o espetáculo tem muito a dizer!

Eduardo Montagnari

OLHOS NOS OLHOS COM ANALU PRESTES

2011-06-25T14:53:00.003-03:00

Analu, nós, espectadores da 23ª SLAMC, é que agradecemos o belo espetáculo que vocês criaram e que pudemos assistir. Esperamos poder ver os próximos trabalhos. Sucesso... mais sucesso, a todos vocês.

Flávia Marquetti

O deserto na alma e a cidade paraíso

2011-06-25T14:53:00.002-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

OLHOS NOS OLHOS COM LARISSA

2011-06-25T14:52:00.000-03:00

Oi Larissa, só agora vi a tua postagem para o espetáculo Aqueles Dois, realmente Caio F. Abreu é fantástico e os meninos da Luna Lunera não ficam atrás...o que nos deu um espetáculo inesquecível.

Flávia Marquetti

OLHOS NOS OLHOS COM ZÉ GUILHERME 2

2011-06-25T14:41:00.000-03:00

Oi, Gui! Comentando tuas duas últimas postagens, acredito que uma das tônicas desta 23ª SLAMC é a delicadeza do olhar para situações ligadas ao preconceito e ao que realmente faz sentido na vida do ser humano, o afeto, o amor, a amizade. Por isso, os espetáculos primaram por este cuidado, pois é nos pequenos gestos, objetos, nos detalhes que se revela o humano e se encontra a grande arte do ator.

Flávia Marquetti

VALSA nº 6

2011-06-25T11:24:00.004-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

A Valsa nº 6 (escrita em 1951) é tradicionalmente um desafio para diretores e atrizes por se tratar de um monólgo a ser interpretado por uma atriz que deve cantar e tocar piano. Essas indicações, nem sempre obedecidas, como na presente montagem que celebra a criação da “Cia Labirinto”, originaram o traço mais significativo do grupo que veio da vizinha cidade de Matão: a não obediência às indicações de Nelson Rodrigues.

A desobediência da montagem é plena. Nada de piano branco ou de cortina vermelha... (vale lembrar que uma das atrizes cumpriu a parte referente ao canto, apresentando seu Villa Lobos com dignidade). Mas a maior, mais arriscada e atrevida desobediência é que ao invés de uma atriz, a montagem da “Cia Labirinto” escolheu distribuir as falas e ações da protagonista entre oito personagens, que fazem desde o velho médico tarado até a menina Sônia, passando pelas fofoqueiras e a intereção com o público.

Antes de ler o programa (finalmente um grupo entregando seu programa na porta do teatro) comentei que o principal traço do espetáculo era sua ousadia. Multiplicar Sônia foi realmente uma ousadia cênica de méritos mas também de comprometimentos. O maior destes, do meu ponto de vista, foi a criação de um palco “sujo” (carregado) que é reforçado pelas cores dos figurinos, as máscaras da maquiagem, o exagêro das interprtações e dos biombos cheios de adereços.

A iluminação teve seu tom menor no spot frontal, ingenuamente agressivo, voltado para os olhos do público. A decisão correta foi a de trazer a pláteia para o palco e levar o palco para a platéia. Uma decisão que acabou prejudicada pelas paredes laterais da platéia abarrotadas de informações que passaram a fazer parte e a comprometerem o cenário original. Num palco tudo é signo. Tudo significa, tudo informa, inclusive tatuagens... Carregar a cena, sujar o branco recomendado, reduzir o vermelho apenas para os sutiens, foi intencional, mas teve um preço... Nelson já sombrio e carregado em si mesmo, ultrapassou, com a “Cia Labirinto”, o limite do seu próprio exagêro.

Há que se ressaltar, por fim, a sonoplastia, o uso ágil dos biombos e boas marcações (lembro a impressão causada pelos oito atores formando quatro personagens de cabeças para baixo). Por essas razões, segundo meu olhar, a movimentação eficiente do jovem elenco da nova “Cia Labirinto” não logrou desviar a Valsa nº 6 dos tradicionais excessos que acompanham as montagens quando se trata de encenar Nelson Rodriguês. Em especial pelo exagero de personagens que antes gritam do que falam.

Eduardo Montagnari

UM OLHAR MARCADO POR OUTROS OLHARES: AMOR QUE NÃO OUSA DIZER SEU NOME

2011-06-25T02:05:00.003-03:00

A Cia Filhos de Alfredo trouxe ao palco do Teatro Municipal olhares antagônicos, mesclando os assassinatos cometidos pelo maníaco do Trianon e o julgamento de Oscar Wilde à omissão e vergonha dos familiares dos homossexuais assassinados juntamente com a condenação de Wilde, pela sociedade inglesa.

A inclusão de Oscar Wilde no cenário teatral atual é bastante oportuna, pois, só agora em pleno século XXI (2011), “O retrato de Dorian Gray”, romance datado de 1890, foi publicado sem cortes. E mais oportuna ainda foi a correlação estabelecida entre a violência cometida pelo maníaco do Trianon sobre suas vítimas com a violência que estes sofreram de seus próprios familiares, que envergonhados pela condição homossexual das mesmas, não se empenharam em lhes fazer justiça, muitas vezes barrando as investigações.

Alternando vídeos com “depoimentos” sobre os assassinatos, textos de cartas de Wilde a seu amante, cenas ligadas aos inquéritos policiais no Brasil e do julgamento em Londres, os dois atores da Cia revezaram-se em diversos papéis, com atuações seguras e bem construídas. O palco, com alguns objetos em cena, ora ligados a Wilde ora aos inquéritos policiais, ganha contornos e limites com uma iluminação precisa e bela, que alterna tons quentes (laranja e vermelho) a frios (azul), pontuando os espaços e os séculos que os separam: Londres (1895) e São Paulo (1980), mas aproximando-os no mesmo preconceito, incompreensão... na mesma cena.

Flávia Marquetti

UM OLHAR ARROJADO SOBRE VALSA Nº6

2011-06-25T00:52:00.003-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

Nelson Rodrigues com nova roupagem, esta foi a proposta da Cia Labirinto, de Matão, para o monólogo Valsa nº 6. O grupo optou por multiplicar as imagens de delírio de Sônia, ao invés de uma atriz, quatro, ou melhor, oito atores em cena. Não só a personagem Sônia foi fragmentada na atuação, mas também os demais personagens que povoam o que parece ser seus últimos momentos de consciência.

Usando uma indumentária bastante interessante, que mescla o vestido branco da jovem de 15 anos, na parte inferior, com sutiãs retrô (primeiro branco e depois vermelho) na superior, o grupo buscou fundir o público/social e o íntimo na imagem de Sônia; aliando ao branco pérola e ao vermelho, o figurino negro dos demais atores, que surgem como figuras espectrais e dominadoras: a Mãe, o Pai, o Doutor, os Vizinhos (tão caros ao autor).

O cenário, composto apenas de biombos móveis, recobertos de fotos e algumas peças de roupa, contribuiu para criar a sobreposição de imagens que ocorrem à lembrança da personagem e se embaralham ao longo do texto, solução eficaz e simples. O tom histérico conferido ao personagem pede um pouco mais de estudo, não da proposta, mas de como levá-la à cena, lapidação nas tonalidades de voz e movimento, que poderiam enriquecer as interpretações, mas que no todo, conseguiram nos inserir no universo atormentado de Sônia, repleto de vozes e olhares.

Um problema enfrentado pelo grupo, ao usar o Teatro Wallace, foi a decoração das paredes na platéia, que pedia um pano negro para não interferir na cena, uma vez que os locais habituais: palco e platéia, foram invertidos.

Flávia Marquetti

Sonhos para vestir

2011-06-24T18:41:00.001-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

Quem disse que viver é melhor que sonhar? Ontem, vestido de sonhos adormeci tecido de palavras. VIVER É COMO SONHAR. Essa sensação retorna quando vejo Sara Antunes rodando a leveza de seu corpo e a delicadeza de suas perguntas... O céu de estrelas bordadas de palavras... A cama, o lençol, o carretel, a linha, as taças, a jarra, a água, um chá e dois cafés... A música. Ah, a música! Ontem havia música, dança e um vestido de vestidos. Uma caixa prateada, a roupinha de criança e uma parede de lembranças... Uma barriga de lembranças. A mãe, a mesma que deu Negrinha à luz que não era mais de velas... Luzes de pequenas lâmpadas embrulhadas em algodão bordado de palavras. A interpretação e a direção eram outras. Eram outras as mãos que teceram Sonhos para Vestir. Vera Holtz. Analu Prestes. Paulo Cesar Medeiros. Kabila Aruanda. Daniel Valentini. Mary Kunha e Sara Antunes dançando seu vestido de vestidos... Ontem Sara Antunes rodou perguntas tecendo histórias... Palavras, palavras, palavras... Que palavra eu escolheria para o espetáculo de ontem? Inefável.

Eduardo Montagnari

2011-06-24T13:27:00.000-03:00

Café de Investigação 04: Sara Antunes, Vera Holtz e Analú Prestes

Edna Portari assistindo ao vídeo de Analú Prestes

Fotos: Lívia Cabrera

UM OLHAR TECIDO EM SONHOS ... PARA VESTIR

2011-06-24T01:52:00.003-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

Sara Antunes, que já nos havia encantado ontem com Negrinha, hoje nos levou ao mais delicado arranjo de lembranças, desejos e hipóteses construído de/sobre palavras. Interagindo com o público e tecendo a partir desta intervenção toda a “dramaturgia” do espetáculo, Sara demonstra, como já o havia feito no espetáculo anterior, um domínio absoluto sobre este difícil e arriscado jogo. Como nos antigos desenhos para bordar, ela preenche, a partir de um contorno delineado, todo o espetáculo.

O texto, como a cenografia e o figurino, explora as transparências, deixando ver siluetas de encontros e despedidas. Em cena a iluminação feita por pequenas lâmpadas encapadas por tecidos bordados desenha sombras e lembranças. Momento mágico é o do primeiro vestido tecido pela mãe, com o qual a personagem, já adulta, se cobre, vestindo-o pela cabeça – parto às avessas – o desejo de retornar a infância, a um tempo de ilusões e alegrias. Como em um passe de mágica, a criança se faz mulher, o pequeno vestido se transforma em véu nupcial, cobrindo seus cabelos e ligando dois momentos diversos: o agora ao início da peça quando, com o auxílio de alguém da platéia, ela se desvela para a noite de núpcias, desenrolando uma fita dourada que traz presa à cintura. Fundindo filha, esposa e mãe, a um só tempo todos esses papéis femininos estão ali presentes.

Não é sem intenção que o primeiro vestido está em uma grande caixa prateada, que a personagem acaba por ocupar, como o vestido, ela é um presente, e aqui a ambiguidade das palavras ganha valor redobrado: presente/mimo e presente/momento atual, ambos confrontando-se com o passado e as lembranças. O magnífico painel bordado, que é, também, desvelado ao final da peça, ecoa na pequena e frágil boneca de papel “presa”, suspensa em um cubo transparente, símbolos desta delicadeza, desta feminilidade, capturada pelo e no tempo.

A peça, riquíssima de elementos femininos, como a jarra, a bacia e a caixa de prata, a água, os tecidos e os véus, recorta e insinua esse universo sinuoso e circular no qual vida e morte se confundem, oferecendo outro ângulo para se ver/pensar o mundo. A palavra poética de Sara Antunes, somada ao cenário mágico de Analu Prestes e à direção delicada de Vera Holtz confirma a veracidade da frase de Guimarães Rosa: “todo abismo é navegável a barquinhos de papel”.

Flávia Marquetti

UM OLHAR CHEIO DE GRAÇA: O GATO MALHADO E A ANDORINHA SINHÁ

2011-06-24T00:21:00.002-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

O Grupo 59 trouxe uma deliciosa montagem para as crianças da 23ª SLAMC, mesclando música, dança e textos, todos com ótimas interpretações. O jovem grupo de São Paulo fez a alegria dos pequenos (e dos grandes), que se encantaram com as estripulias em torno de diversos animais surpreendidos pelo amor de um gato por uma andorinha. O trabalho de corpo é um dos destaques, como o saltitante sapo e a irrequieta andorinha, contando ainda com vozes muito afinadas no canto e expressivas sonoridades “imitando” os animais, os atores criaram um verdadeiro universo mágico, praticamente sem cenário, com indumentária simples, mas muito criativa, com alguns poucos instrumentos musicais, que pontuavam certos momentos ou serviam de acompanhamento para as canções, mostrando explicitamente as transformações e o revezamento dos atores nos diversos papéis, o Grupo 59 demonstrou segurança e muito entrosamento. Ao final, o bônus, segundo os integrantes, apresentado em forma de canção, fez o público sair ainda mais risonho e feliz. Ótima maneira de criar, nas crianças, o gosto pelo teatro.

Flávia Marquetti

OLHOS NOS OLHOS COM ZÉ GUILHERME

2011-06-23T12:43:00.001-03:00

Oi, Gui! Respondendo às suas duas postagens: a referente ao espetáculo da Sara Antunes e a da Cia dos Pés. Embora as propostas sejam completamente diversas, ambos trazem um ponto em comum: a fragmentação do texto que, para alguns, não se configuraria em uma “verdadeira dramaturgia”. No caso do Casca de Nós, em virtude do espaço utilizado, a fragmentação é ainda maior do que em Negrinha. Mas essa proposta contemporânea de estilhaçar o texto e não oferecer uma estrutura dramatúrgica nos moldes convencionais, digamos... com começo, meio e fim evidentes, tem como prerrogativa forçar o espectador a sair de sua costumeira passividade diante da encenação. Toda obra de arte, que busca uma linguagem nova, visa uma reação/reflexão do público, o formato escolhido para cada espetáculo, se lírico, delicado, poético ou agressivo (que não foi o caso dos dois em questão) vai do grupo e mesmo o grau dessa fragmentação também pode variar, em Aqueles Dois, da Cia Luna Lunera, também houve fragmentação, inclusive na representação dos personagens (4 atores se revezando para interpretar 2 personagens), escolhas e criações que exigem, sempre, um domínio absoluto da encenação, pois devido à fragmentação do texto, o ator tem que ser excepcionalmente bom e nós tivemos o prazer de ver isso em todos esses espetáculo. Evoé!!! Filhos de Dioniso, vocês nos encantam.

Flávia Marquetti

2011-06-23T12:25:00.002-03:00

FONTAINEBLEU

Fotos: Lívia Cabrera

A apresentação da Cia Tan-Tan trouxe para o Teatro Municipal, um espetáculo de clowns que por 50 minutos buscou divertir o público que ali esteve presente. O “não sentido”, como é comum às apresentações do gênero, predomina numa encenação construída de movimentos, gestos e palavras em que o abuso “do francês” se transforma em mote para a maioria das brincadeiras que formam o jogo cênico armado entre os atores Paulo, Pínio e Juliana que se transformam nos Palhaços Néio e Feno e na Palhaça Flóris que assumem os papéis De Claude Monéio, Auguste Fenoir e Fina Arbre.

Essa superposição de papéis, cuja linha divisória que de tão tênue se torna imperceptível se desenvolve em meio a um cenário delicado, reforçado por uma sutil, eficiente e poética iluminação, com adereços adequados e um belo figurino de clowns. O “visual” é sem sombra de dúvidas o ponto alto de uma encenação que não logra alcançar o mesmo brilho quando se trata de pensar em sua fábula. Esta nos é apresentada por meio de falas, gestos, expressões corporais e brincadeiras cuja recorrência chegou até mesmo a provocar certo tédio que - quem sabe – se deve à concorrência de um público não muito expressivo!

NEGRINHA

Danielle Aquino

E existe um povo que a bandeira empresta/Pra cobrir tanta infâmia e cobardia!

Esses versos que iniciam as três estrofes finais de “Navio Negreiro”, do poeta Castro Alves, é a citação que encerra a “poética, lúdica, cruel e apavorante” encenação de Negrinha cuja dramaturgia, calcada na situação de miséria e abandono a que foram relegados os escravos após a assinatura da Lei Áurea, teve como inspiração o conto homônimo de Monteiro Lobato, escrito em 1920.

O espetáculo, que faz jus ao texto que o apresenta (e que se encontra impresso no programa da Semana Luiz Antonio), resultou em uma encenação conduzida com maestria pela direção de Luiz Fernando Marques e pela atuação primorosa, expressiva e eficiente de Sara Antunes, que também é a autora das falas que representa e diz.

O belo resultado da arte e do figurino assinados por Renato Bolelli Rebouças emprestaram o clima final e os contornos que transformaram a sala de bailes do antigo Clube Araraquarense em cômodos de uma verdadeira Casa Grande e sua Senzala. E foi ali naquele espaço impregnado de histórias, que ontem Negrinha nos transportou para interior das sombras da memória de um mundo tenso, confuso e intenso de pensamentos e espantos, visuais, sonoros e sensoriais... Enfim, para dentro de nós e das marcas violentas que nossa História insiste em cobrir.

Eduardo Montagnari

2011-06-23T09:16:00.001-03:00

Café de Investigação 03 - Eduardo Montagnari

Fotos: Lívia Cabrera

O OLHAR SINESTÉSICO DE NEGRINHA

2011-06-23T02:27:00.001-03:00

Fotos: Danielle Aquino

Como descrever o prazer de se perceber uma encenação? Essa é a dificuldade primeira de escrever sobre a peça Negrinha, de Sara Antunes. Antes de qualquer coisa, esta é uma peça que nos pega pelos sentidos: audição, visão, olfato e, para alguns escolhidos, também o tato. A presença de cheiros, sons e ruídos, luz e escuridão, alternando-se ao longo de toda a peça, exige do espectador uma atenção e percepção completa.

Optando por um espaço alternativo, o salão do Palacete das Rosas e distribuindo o público por todo o espaço (sentados em cadeiras no alto, em pequenas arquibancadas e cubos), alternando-o com móveis antigos, objetos cênicos, cortinas e iluminando tudo apenas com a luz de poucas velas, Sara Antunes, com uma representação impecável, nos fez transitar entre a casa grande e a senzala, com direito a vasculhar o porão ou baú de lembranças da escravidão, ora na mente da pequena Negrinha ora na dos senhores.

Após a acomodação do público, a escuridão... e o som de grãos que caem em uma vasilha de metal, mas que também sugerem galhos que batem na vidraça com o vento... ilusão dos sentidos que perdurará por toda a peça. Os grãos, que poucos de nós realmente vêem, são descritos como pretos (feijão), brancos (canjica) e amarelos (milho), que se destinam ora ao homem ora aos animais, tudo muito simples, aparentemente, apenas um trabalho doméstico da menina Negrinha, mas que se revela a primeira separação/segregação pela cor. O jogo com as cores se repetirá, com o auxílio do público, ao longo de toda peça, dando sempre a idéia de uma brincadeira, mas que constrói uma rede de “desconforto”, pois acertar (ou não) a cor de algo é arbitrário.

A própria atriz, com a iluminação das velas, ganha tonalidades diversas, do branco ao pardo e mesmo o negro, ao colocar o corpo na total penumbra, demonstrando que a cor depende do ângulo que se olha o objeto. Não sem malícia o texto nomeia àquela que criou Negrinha de Áurea Cândida, aludindo à cor (branco), mas também à Lei Áurea (que embora tenha libertado os escravos, jogou-os na mais absoluta miséria e marginalidade) e a uma ingenuidade/pureza que não condiz com a personagem, proprietária da casa de açúcar, outra ambiguidade deliciosa, pois sobrepõe o branco/doce do produto da cana ao branco/cruel da casa grande e dos senhores de engenho. Quem conhece o conto de Monteiro Lobato, no qual o texto da peça foi baseado, sabe o quão terrível é a figura dessa senhora de escravos e a que castigos absurdos ela submete a pequena negrinha.

Vale destacar ainda o efeito magistral que é conseguido com a queima de uma palha de aço, colocada em moldura dourada, para representar o debandar dos negros pelas montanhas após a libertação. Consumida irregularmente, a palha de aço desenha caminhos iluminados por tochas, mas, como tudo na peça, a bela imagem é também ambígua, pois remete à pintura e à visão/versão dada pela classe branca dominante ao fato histórico em questão.

Sintetizando o abandono, o desprezo, a solidão de todo um povo, o monólogo denso e, por muitas vezes, divertido desta Negrinha tenta jogar um pouco de luz e resgatar a dignidade e a humanidade de boa parcela da população brasileira.

Flávia Marquetti

UM OLHAR PARA O PASSADO: CHÁ DAS DUAS

2011-06-23T00:30:00.001-03:00

Fotos: Tadeu Queiroz

Nesta quarta-feira, o Grupo Contos e Cantos enterneceu e fez rir muito a platéia que lotou o anfiteatro do SENAC para ver Chá das Duas. Driblando, com muito profissionalismo, o espaço apertado, a falta de coxias e os demais entraves que poderiam prejudicar a apresentação, Cláudia Galvão e Lu Mani fizeram um espetáculo no qual a qualidade da encenação foi um dos pontos fortes, seguras, com excelente trabalho de corpo e de voz, e um maravilhoso entrosamento as duas se transformaram em simpáticas velhinhas. A cenografia, figurinos e adereços, de um cuidado esmerado, contribuíram ainda mais para envolver os espectadores nesse universo repleto de lembranças, desejos insatisfeitos, frustrações e sonhos. Com tiradas inesperadamente irreverentes, a dupla soube explorar a dramaturgia, não permitindo que o tom das lembranças, às vezes dolorosas, pesasse na cena.

O texto é assinado por Márcio Pontes, mas em parceria com as atrizes, como ele deixou claro ao final da peça, demonstrando o trabalho de conjunto e afinação de todo o grupo. Para quem conhece o trabalho de Márcio Pontes, no Polichinelo, não há surpresa no cuidado, no detalhamento de cada frase, objeto, gesto.

Único grupo de Araraquara a ser selecionado, o Grupo Contos e Cantos, representou de maneira impecável a cidade no que há de melhor nesta arte que só se faz com dedicação, empenho, entrega e paixão. E diria mais... representou COM-PLE-TA-MENTE !!!

Flávia Marquetti

2011-06-22T18:11:00.000-03:00

Café de Investigação 02: Gabriela Rabelo

Danielle Aquino

O grande grito

2011-06-22T14:42:00.002-03:00

Danielle Aquino

A “história de verdade, inventada” por Gabriela Rabelo e dirigida por José Renato, espetáculo endereçado especialmente ao público adolescente (lembro a raridade de dramaturgias e encenações voltadas a esse público), aconteceu na tarde de ontem para uma platéia escolar. O atraso de uma escola colaborou para entrada tumultuada de estudantes despreocupados com seu entorno. Assim, o espetáculo que começou atrasado foi se impondo aos trancos e barrancos e os mais interessados puderam embarcar, meio que atabalhoadamente, na viagem do Grupo Luz e Ribalta, ainda que manifestações gratuitas (falo do riso e das exclamações bobas) seguissem acompanhando determinadas cenas até o final da trama quando o elenco foi – surpresa! - ovacionado como se aquela platéia tivesse assistido ao “maior espetáculo da terra”.

O teatro é uma arte que resulta da combinação de vários elementos que são articulados de acordo com a perspectiva cênica eleita por um diretor ou por quem esteja à frente da encenação. A platéia presente teve ontem à sua disposição a oportunidade de apreciar um espetáculo construído com dedicação onde gravitava a maioria dos elementos que compõe uma encenação própria de um palco italiano: elenco afinado, ótimos protagonistas (incrível a semelhança do ator que interpretou Macunaíma com Grande Otelo, em especial pelo timbre vocal), boa sonoplastia, belo projeto de luz (ainda que muitas vezes tateante provavelmente pelo operador não estar ainda familiarizado com a mesa de iluminação), bonito cenário, figurino e adereços adequados... Um elemento fundamental para que o teatro aconteça é o público. Esse, o único elemento que não pode faltar, foi o que deu o tom desafinado de “O grande grito” (que imagino ter sido também motivo do desabafo final de “Mario de Andrade”).

Mas todos nós fomos crianças e adolescentes. Quando adolescente, o teatro que eu conheci era feito nos circos. Findo os números de variedades e trapézio, a gente corria, cada um com sua cadeira para encontrar o melhor lugar em frente à ribalta. Atentos e encantados acompanhávamos os melodramas e comédias que faziam parte de um repertório comum a todos os chamados circos-teatros.

Sei que quando já não somos crianças ou adolescentes, esquecemos o que fomos e podemos ser mais intolerantes do que o admissível, se é que existe intolerância admissível! Mas como educadores, que também somos, temos que aprender a superar esse traço e educar para além da simples instrução escolar. Ir ao teatro é, ou deveria ser um acontecimento, se as escolas preparassem os alunos para tanto (em especial pelo assunto que serviu de base à autora do texto de ontem: o famoso acervo trazido por Mario de Andrade da pesquisa que o escritor fez no norte e nordeste do Brasil no final dos anos 30 e que ficou largo tempo abandonado). E Mario de Andrade sendo especialmente importante para Araraquara, jamais poderia ter sido recebido como o exemplo da tarde de ontem oferecido pela escola que chegou atrasada para a função. Teatros não admitem atraso, ou não devem admitir, e isso é parte inclusiva da educação por meio disso que chamamos cultura.

Quanto ao espetáculo, tivemos a coexistência em cena de duas realidades: uma imaginária, oriunda de personagens literários, da cultura popular e do “espírito” de Mario de Andrade, e outra extraída da vida anômica do nosso dia-a-dia: família, riqueza, trabalho, juventude, droga, crime... Essa dualidade permitiu à dramaturga oferecer aos espectadores um texto cujo maior mérito, segundo minha leitura, foi transformar o tradicional antagonismo que encontramos na eterna discussão entre civilização e cultura, em especial quando visitamos a herança deixada por Rousseau, no fundamento para armar seu conflito dramático. Assim, estava em cena o tesouro representado pela cultura esquecida, oposto à barbárie de personagens reais que entendem essa palavra apenas como riqueza material feita de jóias, ouro e dinheiro. O olhar lacrimoso de Mario de Andrade, sua incompreensão para com o descaso em relação a valores maiores e sua indignação para com a ignorância, violência e brutalidade do nosso cotidiano, desembocaram no “grande grito” de Gabriela Rabelo, cujo pecado foi não ter logrado se libertar da dicotomia que lhe serviu de base. Não foi um pecado capital, pois seu grito também é nosso!

Eduardo Montagnari

UM OLHAR APRISIONADO: O GRANDE GRITO

2011-06-22T01:16:00.001-03:00

Danielle Aquino

O Grupo Luz e Ribalta (SP) trouxe Macunaíma de volta à sua terra, com um texto que busca resgatar um outro lado da vida de Mário de Andrade, o de diretor do Departamento de Cultura da cidade de São Paulo. Dividida em dois planos: o espiritual, onde habitam Mário de Andrade, Macunaíma e Exu; e o real, onde se encontram duas famílias que as vidas confluem para um mesmo drama, a peça se propõe a resgatar as angústias e frustrações de Mário de Andrade diante da realidade social brasileira, com seus projetos abortados durante o governo de Getúlio Vargas.

O cenário, composto por caixas e objetos que remetem aos recolhidos na Missão de Pesquisa Folclórica feita em 1937/38, nos oferece a imagem do aprisionamento e empobrecimento de um ideal perdido no descaso da burocracia e desconhecimento do valor real da cultura. O mundo “real” encontra-se dividido em dois focos: um à direita e outro à esquerda deste universo habitado pelo espírito de Mário, Macunaíma e Exu, evidenciando a ponte pretendida por Mário, diminuir o abismo entre as classes sociais, representadas, na peça, pela classe alta e a baixa.

A dramaturgia se perde um pouco entre esses dois universos: o de Mário e os das famílias, parecendo não conseguir transpor de um mundo ao outro com naturalidade. São dois mundos estanques que criam um desnível na apresentação, como se fossem estranhos um ao outro. Ao menos, foi o que ocorreu à tarde, quando assisti. Deve-se ressaltar que a platéia, composta por jovens de escolas de segundo grau da cidade, também não contribuiu em nada para a boa realização do espetáculo, irrequieta, barulhenta, sem qualquer respeito pelos atores em cena e, aparentemente, sem nenhuma idéia de quem era Mário de Andrade, Macunaíma e o universo literário abordado, conversaram, falaram ao celular, jogaram objetos uns nos outros, gritaram histericamente por nada...enfim, uma cena triste e lamentável, que nada mais fez que aumentar a dor das reflexões de Mário de Andrade no palco.

O destaque da peça fica por conta do ator que interpreta Macunaíma, que nos fez lembrar a todos de Grande Otelo tanto na aparência quanto na qualidade da interpretação.

Flávia Marquetti

2011-06-21T00:49:00.001-03:00

Café de Investigação 01: Mônica Nador

Mesa Redonda: Teatro Musical Brasileiro

Eduardo Montagnari, Neyde Veneziano, Luiz Antônio Amaral

Fotos: Lívia Cabrera

A SERPENTE

2011-06-21T00:24:00.002-03:00

Lívia Cabrera

As duas experiências que tivemos que provar como público, ontem, na “23ª Semana Luiz Antonio”, foram radicalmente opostas. Saímos do Paço para o Palco do Municipal. Deixamos um espetáculo suspenso na imensidão do ar para entrar no confinamento sombrio de um cômodo familiar. Nada mais contrastante.

Depois de assistir à exibição da “Cia dos Pés”, fomos convidados a mergulhar em outro tipo de aflição estabelecido pelo drama de casais típicos da galeria de personagens compostos por Nelson Rodrigues. Personagens imersos em seus conflitos interiores, inclinados à vulgaridade e incapazes de controlar seus excessos. Personagens que em geral não conversam, mas gritam...

“A Serpente”, drama menor (de um ato) quando o comparado aos outros dramas do autor de “Vestido de noiva” (marco do moderno teatro nacional) também expõe o confinamento e a histeria dos “lares” pequenos burgueses: verdadeiros campos de batalha de personagens atolados numa moral burguesa, que não resistem aos seus impulsos interiores e que se deixam levar por comportamentos que eles mesmos encaram como “sujos” e dos quais não conseguem se livrar. Como em outras peças, esse universo recorrente nas obras de Nelson Rodriguês, foi exposto por um pequeno texto que se alimenta dramaticamente da metáfora anunciada em seu título. Nelson foi por princípio um moralista.

Nada disso é muito novo em se tratando do autor de “Boca de ouro” e, a não ser pela juventude do grupo empolgado com o resultado do trabalho realizado, o que assistimos foi um espetáculo sombrio, principalmente pelo cenário escuro e pelo figurino roxo das duas personagens centrais, em contraste com o vermelho da rápida passagem da empregada mais o branco dos dois buquês utilizados no início da peça e presente no figurino do personagem Paulo. Um ambiente sombrio reforçado pelo roxo da cama, pelo escuro dos adereços de cena e pela iluminação de lâmpadas comuns presas em panelões suspensos que serviram seguidas vezes, aos próprios atores, para focalizarem individualmente os rostos dos companheiros de cena. Recurso que, como o uso das lanternas, só fez acentuar o negror de um palco que a direção entendeu competir ao drama rodriguiniano.

As interpretações do jovem elenco não comprometeram o conjunto frágil do espetáculo e a sonoplastia apenas reforçou o comum de tangos tão recorrentes quando se trata de encenar Nelson Rodriguês. Com a montagem de “A Serpente”, texto que se alimenta do mito que está lá no “princípio tudo”, com Adão e Eva, a “Cia Mênades & Sátiros” de Presidente Prudente, não logrou ser diferente.

Eduardo Montagnari

CASCA DE NÓS

2011-06-20T16:49:00.004-03:00

Lívia Cabrera

A sugestão estava nos pés e o espetáculo na demonstração de habilidade, coragem e competência de duas bailarinas dançando verticalmente sobre a parede de um edifício. Não tenho formação para falar de dança e nem muito o que dizer sobre grandes intervenções cênicas, se assim posso classificar o espetáculo com o qual a “Cia dos Pés” de São José do Rio Preto nos brindou ontem. Tenho sim, alguma experiência que me permite abordar com mais propriedade questões sobre teatro, dramaturgia, direção cênica, sonoplastia, atuações...

Teatro, essa expressão que é o resultado da combinação articulada de tantos elementos e que se realiza apenas para o olhar, encontra-se agora, cada vez mais, repleto de exemplos de teatralidade que não se caracterizando de forma plena como teatro, no sentido preciso ou conservador do termo, movimentam festivais interferindo nos espaços urbanos e na vida das cidades. Tenho alguma dificuldade para comentar “oficialmente” essas manifestações, pois em geral não consigo ir muito além do meu gosto e admiração pessoais.

O simples fato de alguém escalar uma parede, seja como for, já me parece um ato radical e impensável. Mesmo assim, vou me arriscar a tecer alguns comentários sobre o espetáculo da “Cia dos Pés” e mais diretamente sobre as atuações de Angélica Zignani (que também assina a direção do espetáculo), de Mariana Gonçalves com a colaboração indispensável de Kesler Jamal Contiero (que figura como diretor administrativo). Juntos, eles deram vida a uma celebração que transformou a lateral do prédio da prefeitura numa imensa passarela cênica onde duas bailarinas se movimentaram num plano absolutamente subversivo para nós que estamos acostumados a sentar comodamente nas poltronas das salas de teatro e olhar quase sempre para frente.

A solução foi facilitar para que muitos pudessem apreciar a evolução das duas atrizes de forma confortável, de frente num certo sentido, porque deitados. E aquilo, por si só, se transformou em um acontecimento estranho para o lugar e para o olhar. Aquele cenário de pessoas deitadas olhando para a parede de um prédio pareceu-me estranhamente mais confortável que uma poltrona numa sala de espetáculos. Apreciar o espetáculo sentado numa cadeira na calçada ou na rua foi a solução para quem não pode deitar (lamento não ter experimentando essa perspectiva). Entre sentar e ficar em pé, busquei experimentar as duas opções (a segunda me pareceu mais confortável). De qualquer modo, ontem pude ver e acompanhar com apreensão como muitos, e com encantamento como a maioria, as arriscadas exibições de habilidade, talento e temeridade de Angélica e Mariana. Confesso que ouvi mal os textos, tanto pela qualidade e altura do som quanto pela apreensão com que seguia os movimentos das duas bailarinas e a habilidosa e precisa atuação de Kesler (que do meu ponto de vista deveria figurar como fazendo parte do elenco).

Quero dizer que tudo isso me fez pensar, já que eu deveria escrever sobre o que estava vendo, o que de mais significativo, para mim, estava acontecendo. A exibição conjunta daquelas duas bailarinas/atrizes era a expressão viva de uma interferência naquele espaço da cidade. Por aqueles breves minutos as duas subvertiam e colocavam a cidade praticamente de ponta cabeça. Ali, na parede daquele prédio público elas, não sei se sabiam e se deram conta disso, devolviam àquele espaço, por alguns minutos, seu sentido original: lugar de teatro.

Subvertendo o uso e a ocupação daquele prédio elas remexeram na história da cidade – e na minha memória - devolvendo àquele espaço o teatro que ali existiu de 1914 a 1969 quando foi brutal e covardemente destruído. Pensei muito nisso enquanto olhava o prédio do Paço Municipal, ainda sem entender o que levou aquele prefeito a fazer o que fez (a história de que o prédio estava condenado nunca colou, ou bailes de carnaval jamais poderiam ter acontecido naquele lugar). Olhei para os lados procurando adivinhar se alguém mais estaria pensando o que eu pensava, como se isso fosse possível, quando ouvi o seguinte comentário: “essas moças são mais corajosas que muitos homens” (como se a coragem fosse um atributo essencialmente masculino!).

Só não entendi porque o som ficou confinado na entrada do Paço Municipal quando poderia estar em algum patamar superior saindo pelas janelas do prédio. Sendo isso possível (creio que é) o resultado teria sido certamente bem melhor, mais grandioso e mais adequado às imagens e movimentos executados pelas duas artistas que chegaram imóveis como dois manequins para depois alçarem seus vôos numa movimentação que me fez lembrar do Bob Wilson que vi no Municipal de São Paulo nos anos 70, especialmente pelo vermelho da flor em contraste com o branco do figurino. Uma lembrança que me faz agregar mais um comentário elogioso ao espetáculo: o cuidado com os figurinos (dos três atores) e com os adereços de cena.

Eduardo Montagnari

OLHOS NOS OLHOS COM OTÁVIO

2011-06-20T01:22:00.000-03:00

Oi Otávio, que bom vê-lo aqui no blog. Respondendo à tua postagem, acho que a reação na vida real ainda não é a mesma da platéia ao final da peça dos “meninos” da Luna Lunera, mas é com espetáculos como este, sensível e humano, que se pode mudar o olhar preconceituoso da sociedade, afinal, amor é algo que falta e muito em nosso mundo e já dizia Lulu Santos: toda forma de amor vale a pena!

Flávia Marquetti

O OLHAR SINUOSO DE NELSON RODRIGUES

2011-06-20T01:08:00.002-03:00

Lívia Cabrera

A Cia Mênades & Sátiros, de Presidente Prudente, apresentou na noite de domingo a peça A Serpente, de Nelson Rodrigues. Com elenco jovem, a Cia optou por uma montagem tradicional, com poucas ousadias na encenação. Algumas das escolhas, sobretudo na iluminação, conseguiram efeitos interessantes, como o uso da lanterna em diversos momentos: focada no rosto dos personagens, postados logo à entrada da platéia recebendo os espectadores/convidados, fundindo a foto clássica de casamento às das lápides; no decorrer da peça, o uso das lanternas aludia a um possível inquérito policial, da mesma forma, a figura do “padre”, logo no início da representação, fotografando a platéia e os noivos, mescla a documentação do enlace matrimonial e do crime. O uso de um figurino de cor roxa para as duas irmãs e noivas reforça e antecipa o tom fúnebre destes enlaces. A cama dos casais, que se juntam e se transformam em uma única cama para o triangulo, Lígia/Paulo/Guida, funcionou bem, mas a solução para o salto pela janela não teve a mesma sorte.

Nelson é um texto sempre perigoso, requer um elenco maduro em todos os sentidos, embora as duas jovens que interpretam Lígia e Guida tenham se empenhado e conseguido uma boa atuação, faltou a elas o peso, a densidade que duas atrizes mais “velhas” teriam alcançado. Mas quem gosta de montar Nelson... gosta e a Cia tem tempo e vontade para chegar a esse amadurecimento.

Flávia Marquetti

CASCA DE NÓS E O OLHAR DESLOCADO

2011-06-20T00:29:00.003-03:00

Lívia Cabrera

Danielle Aquino

O grupo Cia dos Pés, de São José do Rio Preto, virou a cabeça do público da 23ª SLAMC com uma proposta bastante original. O espetáculo, Casca de Nós, se propõe discutir o espaço cotidiano, urbano e sua relação com o corpo a partir do deslocamento do olhar, físico inclusive. A Cia colocou toda a platéia a seus pés, deitada (melhor maneira de ver o espetáculo) em colchonetes diante da Prefeitura Municipal. Mais que uma simples inversão na forma de assistir a um espetáculo a proposta do grupo começa por alterar a forma de ver a cidade, os prédios, o que nos cerca e a nós mesmos. Ângulo novo, estranho que, ao romper com a rotina do plano horizontal do olhar, revela detalhes arquitetônicos do espaço, antes não apreendidos, redimensiona a percepção do corpo em relação ao mundo, seja nas sensações táteis do contato com o chão ou da visão, que nos ilude a partir dos movimentos leves, em “câmera lenta” realizados pelas duas integrantes do grupo.

Cuidado, delicado, o espetáculo explora uma trilha sonora bem colocada, que se afina com os movimentos, com o texto, propositalmente fragmentado, solto em pequenos textos, frases e palavras que, como as duas atrizes/bailarinas voam ao vento ecoando dentro dos espectadores. A iluminação do espetáculo à noite revelou delicadezas insuspeitas no espetáculo da tarde (assim como eu, muitos voltaram para revê-lo), mas se surpreenderam ao ver outro. Os movimentos eram os mesmos, assim como a trilha sonora e o texto, mas o sol da tarde produziu outras sombras na parede, diversamente da luz noturna e dos refletores, muito bem explorados pelo grupo, criando belas luas cheias de bailarinas, imateriais, sonho do homem que se projeta descomunal em sua sombra e as tenta alcançar – idealização, saudades, projeção do desejo... tudo cabe nesta deliciosa inversão espacial, na qual o irreal se materializa e o real é mera sombra. Ao deslocar os olhares para a liberdade vertical, a Cia dos Pés nos faz pensar o confinamento no qual vivemos, presos nesta casca de nós/noz que é a casa, a cidade, o próprio corpo, nos convidando a romper a barreira de cimento, a nos permitir um redimensionamento para a vida, virando-a de ponta-cabeça, alterando seu eixo, buscando a leveza e a beleza. Casca de nós me fez lembrar de Asas do Desejo, de Wim Wenders, filme que amo, não só pelo óbvio: a bailarina/trapezista, os anjos, mas por causa do poema que abre o filme, Song of Childhood, de Handke.

Flávia Marquetti

2011-06-19T23:23:00.002-03:00

Lívia Cabrera

Araraquara, 19 de junho de 2011

Queridos atores,

depois de assistir prazerosamente “Aqueles dois” voltei para casa com a tarefa de comentar o que tinha visto. Agora me encontro olhando para o branco da tela do computador na procura de alguma coisa que possa dizer para além do que já expressei quando depois do espetáculo fui levar-lhes meu abraço e meu agradecimento. Não tenho muito para acrescentar... Fiquei comovido, me diverti, me entristeci, me fiz perguntas, não me respondi, me vi...

A arte, sem dúvida, é uma poderosa força e talvez a única com capacidade de emprestar sentido a um mundo sem sentido. Uma força capaz de colocar em evidência a estranheza das coisas que se nos tornaram tão familiares que não mais lhes prestamos atenção. E o teatro – não me lembro quem disse isso - é, dentre todas as expressões culturais, a forma mais pública de apresentar e assistir arte. Uma expressão viva que só se realiza no coletivo.

Ainda que o espetáculo que vocês criaram a partir do conto de Caio Fernando Abreu, fale um pouco mais de perto a um determinado público, não tanto pelo argumento, mas pelas citações e referências carregadas de significados culturais datados e endereçados (cheguei a comentar que assisti “Infâmia” no cinema), o fato é que a platéia inteira se envolveu na trama dos “dois” personagens vividos tão intensa e brilhantemente por vocês, Cláudio, Marcelo, Odilon e Guilherme. Foram todos os presentes que deram em uníssono o veredicto final do que tinham visto: um aplauso sincero, intenso que se prolongaria muito mais se vocês não tivessem tomado a palavra.

A distribuição de dois personagens entre quatro atores foi sem dúvida o grande achado de uma leitura cênica que permitiu estender – universalizar - o drama para além do caso particular do amor entre duas pessoas do mesmo sexo. O caos de uma sociedade carente de sentido em si mesma, embrutecida e repressora, estava ali, presente na confusão, na austeridade e na feiúra de um ambiente entupido de objetos e adereços carregados de simbologia. E a única coisa capaz de dar algum sentido e direção em meio àquele caos era a luz, muitas vezes sutil pelo uso sutil das luminárias, eram os gestos, a movimentação precisa e a fala afinada de vocês, entre vocês e as vezes para nós.

As qualidades épico-dramáticas que vocês apontam estarem presentes no conto de Caio Fernando Abreu, e que certamente serviu de alimento à direção coletiva que vocês mais Rômulo construíram, garantiram a necessária estranheza cênica de um desenrolar dramático que superando o sentimentalismo característico dessa forma de fazer teatro, lograram uma dimensão épica que contrastava com o naturalismo brutal e repressor imposto pelo cenário e pelos adereços.

Quero rematar dizendo que há muito não via um espetáculo tão gratificante. Agradeço em nome da Semana Luiz Antonio... Estamos felizes por vocês terem estado aqui. Esperamos que voltem mais vezes.

Eduardo Montagnari

"Personagens de Porão" (proibido entrar adultos)

2011-06-19T14:30:00.001-03:00

Fotos: Lívia Cabrera

À LUZ DOS TEUS OLHOS: MIGUILINS E AQUELES DOIS

2011-06-19T12:21:00.004-03:00

Lívia Cabrera

O segundo dia da SLAMC foi dedicado a olhares poéticos sobre universos bem distintos, à tarde quatro jovens do Grupo Miguilins, de Codisburgo (MG), nos encantaram ao contar as histórias que giram em torno de Miguilim, personagem de Guimarães Rosa que está no livro Campo Geral. Miguilim é uma doce visão do universo da criança, doce... não porque não haja sofrimento em seu mundo, há e ele sempre envolve as relações afetivas ligadas à família. Mas, talvez por ser míope, como foi o próprio Guimarães, seu olhar sobre o mundo é diverso, vareado, emprestando ao objeto olhado a beleza que vem do sentimento, iluminando-o e nos fazendo ver sob um outro ângulo. Assim foi também a apresentação dos Miguilins, terna, doce e, apesar de muito jovens, impecáveis na voz, na postura, na entonação de um texto “poético” que exige a modulação e a compreensão profunda de um estado de alma. Nós, como Dito, ficamos a pedir: “conta mais, Miguilins, conta mais...”

E neste universo mineiro, nossos olhares convergem para a Cia Luna Lunera. Agora o espetáculo é “Aqueles dois”, quatro atores e dois personagens do conto homônimo de Caio Fernandes Abreu. Quatro olhares sutis, doces, exatos na composição de uma dramaturgia que se revela envolvente, apaixonada e rica ao desvelar o universo do surgimento de um amor e o preconceito em relação a este. O ponto de partida para o espetáculo é o preconceito explicitado de uma repartição pública ao “farejar” uma possível relação homossexual entre dois funcionários. Mas a peça vai mais além, muito mais.

Desmistificando o encontro afetivo entre duas pessoas, que são do mesmo sexo, o espetáculo, tecido em fios de seda, desmascara a solidão nas grandes cidades e, porque não, nas médias e pequenas; revela os olhos vazios daqueles que não concebem uma vida própria, mas que ainda se pautam em modelos pré-estabelecidos; na inveja, na cobiça e no ódio, sempre velado, dos que ousam viver verdadeiramente.

Para alcançar este resultado primoroso, a Cia Luna Lunera, multifacetou os personagens, que são assumidos por todos os atores, em um revezamento que demonstra a integração e conjunto da Cia, criando em cena jogos que quebram a tensão dramática, fazendo com que o público se divirta, ria e se identifique com as situações, mas sem perder a intensidade, o foco de sua proposta. O cenário, atravancado de objetos, vai se revelando multifuncional, magicamente alternando o espaço público e o íntimo: repartição e quarto.

Nada sobra ou falta neste conjunto, até mesmo os sinais de início da peça são deliciosamente utilizados, com uma ambiguidade mais tarde revelada: são os sinais para o início da peça, mas também são os sinais que revelam o encontro de Raul e Saul. A dramaturgia e o texto ganham uma multiplicidade de sentidos a cada cena, explorando todas as suas possibilidades: como nos desenhos, apenas delineados e de olhos vazios que um dos personagens faz e os vai colando ao fundo, e que mais tarde, quase ao final da peça, são coloridos e se transformam nos rostos dos colegas de repartição, todos “iguais” em sua infelicidade. Os únicos olhos brilhantes são os de Saul e Raul... e os do público, claro!

Flávia Marquetti

“HÁ MUITOS TEATROS EM UM SÓ TEATRO” (em torno da peça “O horácio”)

2011-06-18T19:10:00.003-03:00

Lívia Cabrera

A maior batalha que a “X Turma de Teatro Barão de Mauá” de Ribeirão Preto teve que travar ontem às 24 horas, não foi a que estava sendo demonstrada, para utilizar uma expressão afinada com a forma de teatro que estava sendo encenada, no saguão do Teatro Municipal. O piso escorregadio do saguão do teatro e a acústica nada favorável exigiu dos estudantes/atores uma atenção dobrada que tornou a encenação quase que um teatro de risco. Os desequilíbrios e escorregões, facilitados pelos elementos cênicos, ovos, melancia, vinho, farinha, tornaram o espaço um verdadeiro campo de batalha de acordo com a sugestão proposta pela dramaturgia do alemão Heiner Muller (1929-1995).

Heiner Muller (aproveito para lamentar a ausência de material impresso com maiores informações e detalhamentos sobre a obra, ano em que foi escrita, sobre o autor encenado e sobre a própria encenação), aponta Ingrid Koudela, foi um dos maiores e um dos nomes mais radicais da dramaturgia alemã da segunda metade do século passado, aquele que respondeu pelo aprofundamento de um dos aspectos mais negligenciados da obra teatral do também alemão Bertolt Brecht (1898-1956): seu chamado teatro didático, ou de aprendizagem.

Esse momento da produção dramática de Brecht (intermediária entre a produção do “jovem” e do Brecht “clássico”) é feita de trabalhos (pequenas peças e textos teóricos) que tinham como objetivo explícito servir de ‘experimentos’ para adolescentes, jovens estudantes, militantes políticos, sindicalistas, atores em geral. As peças são pequenas obras que não podem e não devem – como insistem alguns - serem encaradas como peças dogmáticas, uma vez que em nenhuma delas existe uma preocupação de se expor verdades eternas, absolutas, como muitos costumam repetir. Lembro que entre elas, o único texto que fala diretamente da luta de classes é A exceção e a regra (e para quem quiser avançar um pouco nessa discussão convido para apreciarem a radiofonização desse texto, que sob nossa direção, estará sendo levado ao ar na próxima quarta feira - dia22 - às 18 horas no Teatro Municipal).

Esse teatro didático compreende escritos que identificam uma dramaturgia centrada em uma estrutura aberta que mediante o exercício da razão encontra na dialética um instrumento que se coloca a serviço de uma realidade que pode e deve ser demonstrada como passível de modificação. Esse é, de resto, o principal objetivo da forma épica de teatro proposta por Brecht: demonstrar. Trata-se de um teatro narrativo como o que a “turma de Ribeirão” escolheu encenar para exercitar e aprender questões relativas a essa forma de fazer teatro

Recorro a essas considerações porque O horácio encenado consiste em uma leitura que Heiner Muller fez sobre uma peça didática de Brecht chamada Os horácios e os curiácios (1934) que, por sua vez, teve como base a própria História: a formação de Roma e a guerra ocorrida na cidade de Alba no século VII a.C. Há muitas considerações para serem feitas sobre o texto e essa forma de teatro proposta por Brecht, mas não é o momento e nem há espaço para tanto. Lembro apenas que Os horácios e os curiácios configura uma peça – enunciada como escolar - e que, de acordo com Brecht, deveria ser encenada por crianças com no máximo 13 anos e a encenação, por sua vez, deveria incluir diálogos do coro com a platéia para que o processo de aprendizagem pudesse ser atingindo através da troca de idéias. Não há intenção de que a peça se torne um produto acabado, de resto como as demais peças didáticas.

O horácio de Muller adentra mais profundamente o universo da poesia e tendo como base o final da peça de Brecht (quando o horácio é aclamado em Roma) centra sua discussão não no coletivo mas no indivíduo. Na leitura de Muller a ameaça não sendo mais a invasão dos curiácios (habitantes de Alba) muda o foco (conflito) para a escolha de quem vai lutar pelas duas cidades contra o inimigo comum que nunca aparece: os etruscos. Horácio, o vencedor, mata o curiácio, noivo de sua irmã que acaba sendo assassinada por não festejar sua vitória. Assim, o julgamento instaurado tem como discussão investigar se o curiácio deve ser honrado como vencedor ou julgado como assassino.

O texto de Muller tem a grandeza dos grandes poemas épicos e aprofunda a intenção de Brecht de fazer de suas obras didáticas um experimento dialético. Nessa direção Muller encontra na troca de papéis um dado que aprofunda a máxima “há muitos objetos em um só objeto” (estabelecida por Brecht em Os horácios e os curiácios) transformando-a em um emblemático e paradigmático “há muitos homens em um só homem”.

Mas o tema aqui não é o texto de Heiner Muller mas a encenação da “X Turma de Teatro Barão de Mauá” de Ribeirão Preto e nossas considerações devem ser sobre o espetáculo dessa virada de noite: afinal teatro não é a dramaturgia que podemos ler solitariamente e que nossas escolas não nos ensinam a apreciar (afinal, para a imensa maioria, “ler teatro é chato”), mas a peça encenada, viva, que só existe para quem a faz e quem a VÊ.

Assim, o que vimos foi com certeza um exercício difícil, de entrega, uma ousadia e um risco (no sentido metonímico e metafórico) ao qual se dedicou com paixão a turma de Ribeirão Preto. Isso é o que ficou de mais claro e evidente durante o espetáculo. O uso dos adereços de cena - ovo/vinho/frango/farinha/melancia -, o quadro negro, a repetição, a música, evidenciaram o processo épico que fundamentou a pesquisa e a encenação. O ponto mais débil da encenação ficou por conta das falas (da narrativa) que se perderam... Ora, pela acústica (que não colaborou), ora pela fragilidade da emissão/articulação de vozes (isso é “natural” entre jovens estudantes) carentes de mais estudo e aprimoramento (a respiração é fundamental!) em uma peça em que as palavras desempenham um papel que eu chamaria de protagonista e que, parafraseando Muller, devem permanecer inteiras.

Entretanto, o caráter experimental da encenação, sua qualidade de estratégia política e estética (afinal escolher não é um ato descompromissado) é um mérito e uma empreitada que merece ser louvada e que manteve a platéia silenciosa, aflita (pelo risco dos escorregões) e atenta ao desenrolar da trama. Essa estratégia correspondente a um meio de ensino/aprendizagem (como quis Brecht e Muller) fundamentou uma encenação armada com perguntas e respostas, inserção de letras e de canções populares (ressalto a letra de “Tem que acontecer” de Sérgio Sampaio, título homônimo de um belo vinil dos anos 70), interrogatórios, julgamentos, e o uso recorrente da repetição como recurso primoroso e não muito habitual para o nosso teatro feito quase que inteiramente de produtos acabados que encontram no mercado seu principal objetivo.

A música, muitas vezes frágil e nem sempre adequada, especialmente na cena final, que cria um clima (no teatro épico não se trata de criar “climas”) pouco adequado ao desenvolvimento do espetáculo, produziu um ar de “grande final” em contraste com o cenário instigante, feito de restos de adereços despedaçados espalhados pelo chão de granito que, no decorrer do espetáculo, seguidas vezes, desequilibrou alguns atores.

Eduardo Montagnari.

18.06.2011

OLHARES CEGOS NO PRIMEIRO DIA DA SEMANA LUIZ ANTÔNIO: HISTÓRIA DE ÉDIPO E O HORÁCIO

2011-06-18T03:45:00.008-03:00

Lívia Cabrera

A Semana Luiz Antônio começou com dois textos que aparentemente não possuem nada em comum, A História de Édipo, com o Grupo Andante (MG), e O Horácio, da X Turma de Teatro – Barão de Mauá. O que a princípio parecia ser um abismo, pois o primeiro foi escrito no século IV a.C. e o segundo no século XX, foi na verdade uma feliz aproximação. Se na História de Édipo temos como ponto chave o dilema diante do (pré)destinado ao homem e a necessidade de escolher um caminho na tripla encruzilhada, sem saber/ver aonde realmente vai nos levar; em O Horácio há o questionamento das escolhas feitas pelos outros (Estado/poder) para nós, que o seguimos cegamente.

A cegueira, ponto comum às duas peças, se manifesta em formas diferentes: em Édipo é primeiro metáfora de seu desconhecimento e, digamos, arrogância, de rei que ousa governar, dirigir a cidade sem, no entanto ser senhor de sua própria história, pois desconhece sua origem, depois de lhe ser revelada sua verdadeira origem, Édipo cega-se fisicamente, explicitando a incapacidade, ou melhor, a fragilidade do homem diante do destino. Em Horácio a cegueira, do personagem, está em assumir o destino de Roma como seu, anular a pessoa, o humano em prol do Estado. Mas Heiner Müller vai bem mais além, ao apontar o destino trágico de seu personagem, aponta para a cegueira de toda a civilização ocidental, antiga ou moderna, matar em nome da guerra e tronar-se herói é diferente de ser um assassino? Eis aí a cegueira e a escolha em O Horácio.

Em ambas as peças é preciso saber ver para compreender as escolhas estéticas. A montagem de História de Édipo apresentou uma roupagem nova para um texto primoroso, explorando a especialidade cênica obtida por um andaime, o grupo soube aproveitar os altos e baixos, dentro e fora da estrutura para construir o palácio de Édipo, a disposição da arquibancada, circundando o andaime, conferia ao público o lugar de povo de Tebas. Embora tenha irritado os olhos e garganta de alguns espectadores, a fumaça constante, feita com incenso e pó de café, trouxe a peste, a morte e os outros males, descritos no texto, para a cena. Achados sutis e muito bem colocados no espetáculo foram: a dupla máscara para Tirésias, o adivinho cego, que tanto remetia ao seu conhecimento de passado e futuro, quanto ao fato de ter ele experimentado os dois sexos, pois sendo homem, foi metamorfoseado em mulher pelos deuses, voltando a ser homem depois. Outra sutileza foi a utilização de quatro ovos, deixados cair do alto do andaime, cada qual num lado, simbolizando o fim da descendência de Édipo e Jocasta, seus quatro filhos: Etéocles, Poliníces, Antígona e Ismênia; a bola de cristal verde nas mãos de Jocasta, que a deixa cair nas mãos de Édipo, como símbolo do destino comum. Vale lembrar ainda o uso da música ligada às falas do coro, resgatando um expediente da tragédia grega. Enfim, um belo espetáculo.

As escolhas da X Turma de Teatro – Barão de Mauá foram igualmente felizes ao jogarem com a densidade do texto e músicas irreverentes, no uso de vinho para indicar o derramamento de sangue, dos ovos (engolidos crus pelos personagens) aludindo às vidas devoras/extintas pelos soldados, cabendo ao soldado que maior número de ovos conseguiu engolir a “honra” de ser o escolhido para lutar por Roma, foi bastante expressiva, assim como a melancia/corpo devorada pelos romanos, as quebras bem ao sabor brechtiniano das frases escritas na lousa, das cenas cômicas, das narrativas e repetições. Um belo fecho para esta primeira noite.

Flávia Marquetti

23ª Semana Luiz Antônio abre temporada com “Édipo”

2011-06-15T10:14:00.000-03:00

O tema “Olhares Múltiplos” permeia a programação da 23ª Semana Luiz Antônio Martinez Corrêa – Festival de Teatro (SLAMC), que se inicia no dia 17, em Araraquara, seguindo até 26 de junho. Com realização da Prefeitura de Araraquara - por meio da Secretaria Municipal de Cultura e Fundart e com a parceria do SESC, SESI, SENAC e Oficinas Culturais Lélia Abramo do Governo do Estado de São Paulo – a SLAMC chega com mais de 20 espetáculos teatrais e uma grande programação complementar.

A programação do dia 17 se inicia com o Grupo Teatro Andante (Belo Horizonte - MG), que apresenta “A História de Édipo”, às 20h30, na Praça Pedro de Toledo. Às 23h59, no saguão do Teatro Municipal, a X Turma de Teatro – Barão de Mauá apresenta “O Horácio”.

Também, no saguão do Teatro Municipal, de 17 a 26 de junho, haverá a exposição fotográfica “‘Interiolhar’’, com fotos de cena de Maribel Santos.

Os ingressos para “O Horácio” serão distribuídos a partir das 13 horas, na bilheteria do Teatro Municipal, sendo até dois ingressos por pessoa. Para o espetáculo de abertura, na Praça Pedro de Toledo, não é necessário ingresso. Toda a programação é gratuita.

“A História de Édipo” - Grupo Teatro Andante (MG)

Teatro Andante apresenta “A História de Édipo” em versão para a rua
O Grupo Teatro Andante apresenta na rua, através de um espetáculo ousado, dinâmico e contemporâneo, a história do mito de Édipo, escrita por Sófocles, há 2500 anos, e famosa até os dias de hoje.

Através da investigação sobre a morte de Laio, o Rei Édipo, descobre a grande surpresa que o destino lhe reservou: ele, sem saber, casou-se com a própria mãe e assassinou o próprio pai. Assim, configura-se um dos mais famosos mitos trágicos da humanidade: a história do homem que, em busca de suas origens, instaura os princípios da ética que nos conduz.

Édipo Rei - Nessa releitura do mito de Édipo para a rua, o objetivo do grupo é levar as histórias famosas da humanidade para parcelas da população que não freqüentam as salas comerciais de teatro. Para isso, o Grupo Teatro Andante construiu um espetáculo contemporâneo, ágil, ousado na linguagem, politicamente atual e contundente na comunicação com o público.

É um texto atual porque grande parte das pessoas já ouviu falar em Édipo, ao menos através do famoso “complexo do Édipo”, popularizado pela psicanálise. Mas o mito de Édipo é mais do que isso: fala da ambição do poder, da impunidade, dos limites do público e do privado, da importância de cada pessoa assumir sua própria história, da grande questão entre a determinação do destino e o livre arbítrio.

O teatro sem truques, o jogo explícito e compartilhado com o público, sem rotundas, sem coxias, o espaço em forma de arena, são elementos da pesquisa do grupo, mais uma vez presentes nesse espetáculo. Fortificando sua pesquisa no trabalho do bastão, na pré-expressividade, no jogo do ator, e entre o ator e os outros elementos da encenação como a música e o espaço cênico, o Grupo Teatro Andante volta à rua, cara a cara com a platéia, fazendo do público o “povo de Tebas”.

A trilha sonora é realizada ao vivo, com guitarra, acordeom e elementos de percussão. O cenário é um andaime: um palanque, uma tribuna, um monólito que dá a dimensão para criar a relação de grandeza da tragédia.

Sem dúvida esta será uma ótima oportunidade para o público assistir “Édipo Rei”, escrita por Sófocles há 2500 anos.

Em 50 minutos de encenação, com texto de fácil entendimento e sem carregar na dramaticidade, o Teatro Andante apresenta a história de Édipo e Jocasta, a peça clássica grega mais popular, sempre montada com as mais diversas adaptações e interpretações em todo o mundo.

Grupo Teatro Andante - É hoje um dos mais atuantes e importantes grupos de teatro de Belo Horizonte, tendo participado de festivais nacionais e internacionais. Fundado por Marcelo Bones e Ângela Mourão, em 1990.

Durante toda a sua história de 20 anos de existência, o Andante tem tido como fios condutores de suas produções a pesquisa de linguagens teatrais e a descentralização artística e difusão do teatro para parcelas da população que não têm acesso às casas de espetáculos e que estão fora dos eixos culturais.

A marca do Grupo Teatro Andante é realizar espetáculos com grande qualidade artística e técnica, dirigidos a qualquer público e que possam ser apresentados em espaços variados. Entre outros eventos, o Grupo participou do projeto Palco Giratório do SESC-Nacional se apresentando em 35 cidades de 17 estados brasileiros. Fez parte de projetos como, Trilhas da Cultura, patrocinado pela empresa Belgo Mineira – Arcelor Mittal.

O Grupo também desenvolve oficinas, tais como técnicas corporais, máscaras teatrais, palhaço, técnica e dramaturgia para teatro de rua, formação de educadores, entre outras, uma vez que seus integrantes são professores de teatro.

Interessado no intercâmbio artístico, o grupo participa de ações de compartilhamento e formação, e de movimentos teatrais locais, nacionais e internacionais. O Circuito Off (reunião de grupos que realizam ações integradas em Belo Horizonte), o Redemoinho (que agrega 41 grupos teatrais de todo o Brasil com o objetivo de discutir, promover intercâmbios, trocas de experiências e ações integradas) e o Linea Trasversale (aliança internacional com sede na Itália, que realiza encontros de compartilhamento e estudos) são exemplos da atuação do Andante.

Ficha Técnica
Direção: Marcelo Bones
Elenco: Angela Mourão, Beto Militani, Gladys Rodrigues, e Glauco Mattos
Ator local convidado: Luciano Pacchioni
Adaptação, concepção e produção: Grupo Teatro Andante
Dramaturgia: José Carlos Aragão
Iluminação: Chico Pelúcio e Felipe Cosse
Figurino: Marney Heitmann
Direção Musical: Claudia Cimbleris
Duração: 50 minutos

Semana Luiz Antônio chega com mais de 20 espetáculos

2011-06-03T17:17:00.000-03:00

Sara Antunes em cena de "Sonhos para Vestir"
Cenário-instalação de Analú Prestes. Direção de Vera Holtz

Os “Olhares Múltiplos” conduzem a programação da 23ª Semana Luiz Antônio Martinez Corrêa – Festival de Teatro (SLAMC), em Araraquara, de 17 a 26 de junho. Com realização da Prefeitura de Araraquara - por meio da Secretaria Municipal de Cultura e Fundart e com a parceria do SESC, SESI, SENAC e Oficinas Culturais Lélia Abramo do Governo do Estado de São Paulo – a SLAMC chega com mais de 20 espetáculos teatrais e uma grande programação complementar.

“A Semana Luiz Antônio tem um significado de importância política e cultural não só para o teatro, pois seu surgimento se dá também com a participação de várias outras linguagens artísticas”, comenta Euzânia Andrade, secretária municipal da Cultura.

“A Semana surgiu na década de 80 como uma atitude de resistência política-cultural por um grupo de artistas das diferentes linguagens, em prol da democracia e da luta para uma política cultural para a cidade de Araraquara, e ela marcou definitivamente a história cultural de nossa cidade. Neste momento podemos refletir sobre a importância da arte nos movimentos políticos e como ela pode contribuir para o desenvolvimento cultural de uma sociedade”, disse a secretária.

O conceito de reflexão desta edição da Semana tem a ideia dos "Olhares Múltiplos", apontando para as formas de ver e ser visto. De acordo com Jorge Okada, gestor de projetos da Secretaria Municipal da Cultura, a palavra “teatro” vem do vocábulo grego “theastai” que significa ver, e “theatron”, é o lugar de onde se vê. “Daí a proposta de se ver em cena a multiplicidade do olhar”, complementa o gestor.

Para tanto, a programação será aberta na sexta-feira (17, às 20h30) com a “A História de Édipo”, recontada de uma maneira contemporânea, na Praça Pedro de Toledo, pelo grupo mineiro Teatro Andante. A história é uma das mais montadas no teatro em todos os países do mundo e, apesar de ser uma história tão antiga, o Teatro Andante procura contá-la de maneira bem moderna, com figurinos contemporâneos, música tocada ao vivo e fogos de artifício.

Além da Praça, diversos outros espaços serão utilizados durante a programação: Teatro Municipal, Teatro Wallace Leal Valentin Rodrigues, teatros do SESC, SESI e SENAC, Prefeitura, Biblioteca Pública Municipal Mário de Andrade e Palacete das Rosas Paulo A.C. Silva.

Além dos espetáculos, a SLAMC traz uma programação complementar, que vai além dos espetáculos agendados: oficina, show, café de investigação, bate-papo e mesas redondas, além da exposição fotográfica “Interiolhar”, de Maribel Santos, com 32 fotos de cenas de teatro, dança e música, no Teatro Municipal (dia 17).

No dia 17, ainda, também haverá o espetáculo “O Horácio”, do dramaturgo alemão Heiner Müller, às 23h59, no saguão do Teatro Municipal, com a X Turma de Teatro, do Centro Universitário Barão de Mauá. O experimento foi criado durante realização da disciplina Interpretação II - Teatro Narrativo, ministrada pelo professor Carlos Canhameiro, com coordenação de Mirian Fontana.

O segundo dia (18) da SLAMC apresenta uma programação intensa, que se inicia às 9h30, no SESC, com Cláudio Dias e Marcelo Souza e Silva, da Cia Luna Lunera (MG), na oficina “O Ator Criador”. São 20 vagas e as inscrições podem ser realizadas na Central de Atendimento do SESC.
Estão reservadas duas atividades na Biblioteca Municipal Mário de Andrade: “Miguilins de Codisburgo”, às 16 horas, e “Personagens de Porão - uma aventura infantil”, às 22 horas (este último destinado a crianças com idade entre 8 e 10 anos; inscrições pelo fone 16 3332-0777).

“Miguilins de Codisburgo” apresenta narrativas de trechos do lírico conto “Campo Geral”, da obra Manuelzão e Miguilim, de João Guimarães Rosa. Composto por adolescentes, com idades entre 13 e 20 anos, o grupo tem contribuído ativamente para a divulgação e preservação da oralidade e da obra de Guimarães Rosa, a partir da narração de fragmentos literários do escritor. O grupo ‘Contadores de Estórias Miguilim’ foi criado em 1996, por Calina da Silveira Guimarães, prima de Guimarães Rosa, com o objetivo de socialização de crianças e jovens da cidade de Cordisburgo (MG), quebrando as barreiras sugeridas pela dificuldade e seletividade da obra do escritor.

Às 20 horas, dois espetáculos distintos, em espaços diferentes: “Aqueles Dois”, com Cia Luna Lunera (MG), no SESC (recomendação etária: 16 anos); e “Baobá”, com Cisne Negro Cia de Dança (SP), no SESI (144 lugares - retirada de convites com uma hora de antecedência no SESI).

“Aqueles Dois” foi criado a partir do conto homônimo de Caio Fernando Abreu e mostra a rotina de uma "repartição" - metáfora para qualquer ambiente inóspito e burocrático de trabalho, revelando o desenvolvimento de laços de cumplicidade entre dois de seus novos funcionários, o que gera incômodo nos demais.

Um Pocket Show Maldito, às 23h59, no Teatro Wallace Leal Valentin Rodrigues, encerra as atividades do sábado.

No domingo (19), um dos destaques é a Cia dos Pés, com o espetáculo “Casca de Nós”, às 16 e 20 horas, nas paredes do prédio da Prefeitura. “Inverteremos o olhar: o público estará deitado no chão da Esplanada das Rosas para garantir a melhor visão do Teatro Físico, que será encenado na parede da Prefeitura”, revela Okada.

O espetáculo é uma abordagem sobre a ocupação sentimental dos espaços, casas, quintais. A casa como uma “casca de nós”, cada uma de um jeito, cada casca com sua história. Depois do espetáculo, às 17h, os atores da Cia do Pés realizam o bate-papo “Dança e Teatro na Vertical” com interessados, no Palacete das Rosas.

A agenda do domingo apresenta o infantil “Zôo-ilógico”, com a Cia Truks (SP), às 11 horas, no SESC (retirada de convites a partir das 9h), show com Sotaque Paulista (Choro das Águas, às 18h, na Praça do Daae).

O espetáculo “A Serpente”, com Mênades & Sátiros Cia de Teatro (Presidente Prudente), às 21 horas, no Teatro Municipal. O texto de Nelson Rodrigues revela o universo de duas irmãs que vivem com seus maridos em quartos vizinhos, no mesmo apartamento presenteado pelo pai. Ambas se envolvem numa paixão repentina e a impossibilidade de viver esse amor as levará a cumprirem destinos incertos.

As atividades da segunda-feira (20) voltam-se para a formação e investigação da cena teatral, com o Café da Investigação nº 1, com Mônica Nador, às 18 horas, no Teatro Municipal; e a mesa redonda “Teatro Musical no Brasil”, com Neyde Veneziano, às 20 horas, na Biblioteca Municipal Mário de Andrade.

Mônica Nador é uma artista plástica que propõe um novo olhar de cor às comunidades periféricas da cidade de São Paulo. Sua participação deve agregar também o público do Território da Arte de Araraquara, que segue até 26 de junho. Já Neyde é especialista em Teatro de Revista e Teatro Musical no Brasil.

Na terça (21), o grupo Luz e Ribalta (São Paulo), com direção de José Renato, apresenta “O Grande Grito”, às 16 horas (para alunos do ensino médio, com agendamento pelo fone 3336-5183) e às 20 horas (retirada de convites a partir das 13h, no Teatro Municipal).

A autora de “O Grande Grito”, Gabriela Rabelo, partiu de fatos reais para contar a história do acervo trazido pela Missão de Pesquisas Folclóricas (excursão ao Norte e Nordeste feita em 1937/38 sob a orientação de Mário de Andrade) e que permaneceu abandonado em um depósito de uma biblioteca pública no bairro da Lapa, em São Paulo.

No meio desses muitos objetos trazidos pela Missão destaca-se uma escultura firmada de Exu, que ganha vida nesse cenário e aprisiona “o espírito” de Mário de Andrade, até que este cumpra a promessa de lhe dar um lugar de honra em São Paulo. Macunaíma vem sempre visitar seu criador e esses três personagens discutem ali uma forma de cada qual retomar seu caminho. Às 18 horas, Gabriela Rabelo é a convidado do Café de Investigação nº 2, no Teatro Municipal.

No dia 22, quarta, a Semana apresenta um espetáculo que não depende do olhar: a platéia será convidada a ouvir a peça radiofônica "A Exceção e a Regra", de Bertold Brecht, na adaptação e direção de Eduardo Montagnari, e assim, ver através da imaginação as cenas da obra alemã. A apresentação será às 18 horas, no saguão do Teatro Municipal, onde na sequência será realizado o Café da Investigação nº 3 com Montagnari.

Dois espetáculos ocupam o horário das 20 horas na quarta “Fontainebleau”, com a Cia Tan-Tan (SP), no Teatro Municipal (retirada de convites a partir das 13h no Teatro); e “Chá das Duas”, com o Grupo Contos e Cantos, no SENAC Araraquara (retirada de convites a partir das 13h no SENAC).

“Fontainebleau” dá continuidade às pesquisas e desenvolvimento do trabalho de palhaço da Cia, divertindo o público com situações cotidianas, improvisações, temas e críticas para uma reflexão e conscientização mundial.

Em “Fontainebleau”, os pintores impressionistas Claude Monéio (palhaço Néio) e Auguste Fenoir (palhaço Feno), saem do atelier e vão para a floresta Fontainebleau em busca de inspiração para pintar. Ao encontrarem a belíssima Fina Arbre (palhaça Fina), disputam o melhor lugar para pintá-la. Fenoir perde a memória e acredita ser, Olavo Bilac, D. Pedro I e Tarsila do Amaral.

O espetáculo “Negrinha”, às 22 horas, no Palacete das Rosas, apresenta Sara Antunes, com direção de Luiz Fernando Marques, num espetáculo em que a reflexão se faz sobre os olhares impregnados de preconceito. Inspirado em texto de Monteiro Lobato, “Negrinha” conta a história de uma menina negra que possui fascínio pelas cores das pessoas. O enredo se passa no século XIX e, através da imaginação da personagem principal, são denunciadas as contradições de sua época. A recomendação etária é apara maiores de 14 anos, sendo a retirada de convites a partir das 13 horas, no próprio Palacete.

Sara Antunes também é atriz do espetáculo da quinta-feira (23): “Sonhos para Vestir”, no Teatro Municipal, às 22 horas. A peça - criada pela própria atriz e também pela artista plástica Analu Prestes – tem direção de Vera Holtz. Aqui, o público volta seu olhar para o lúdico. A peça se passa durante a noite, quando uma mulher insone, em estado de devaneio, tem uma viagem sensorial, e compartilha seu diário e suas cartas com o público. Com lugares limitados (130), os ingressos serão distribuídos a partir das 13 horas, no Teatro. A recomendação etária é para maiores de 14 anos.

Vera Holtz e Analú Prestes tiveram grande contato com o Luiz Antônio Martinez Corrêa, no Rio e em São Paulo. As artistas engrandecem a agenda da SLAMC com a participação do Café de Investigação nº 4, às 18 horas, no saguão do Teatro Municipal.

O Grupo 59 (São Paulo), com direção de Cristiane Paoli Quito, apresenta no Teatro Municipal, “O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá”, às 16 horas. Na história de Jorge Amado, a alegre Andorinha Sinhá nutre um amor incomum pelo mal-humorado Gato Malhado. Juntos, eles tentam superar suas diferenças. A retirada de convites é a partir das 13 horas, no Teatro.

Com 144 lugares, no teatro do SESI, será apresentado “Louise Valentina”, com Simone Spoladore e Felipe Vidal, às 20 horas. A recomendação etária é de 16 anos, sendo a retirada de convites realizada com uma hora de antecedência, no SESI. O espetáculo será apresentado no mesmo horário, também na sexta-feira.

Os alunos do Curso Técnico em Arte Dramática – realizado numa parceria entre a Prefeitura e o SENAC-Araraquara - abrem a programação da sexta (24), com “O Deserto na Alma e a Cidade Paraíso”, na Praça Pedro de Toledo, às 18 horas. A intervenção é posposta a partir da dramatização de alguns textos retirados das histórias do “Sr. Keuner”, de Bertolt Brecht, e frases de Hermann Hesse, na qual se busca uma reflexão sobre o ser humano, a cidade e a miséria. A partir de olhares múltiplos sobre o universo do que é a carência, o espetáculo propõe um diálogo entre as propostas de Brecht para o teatro e a dramaturgia contemporânea.

Às 20 horas, duas outras apresentações: “Valsa nº 6”, com a Cia Labirinto (Matão-SP), no Teatro Wallace Leal Valentim Rodrigues, com 70 lugares (retirada de convites a partir das 13h, no Teatro Wallace), e “Louise Valentina” (citado acima).

“Amor que não Ousa Dizer seu Nome”, com a Cia Filhos de Alfredo (São Paulo) e direção de Milton Morales Filho, fecha a programação da sexta, às 22 horas, no Teatro Municipal. O espetáculo levanta a temática de discriminação em relação ao comportamento homossexual, retratando dois episódios separados por quase um século: o julgamento de Oscar Wilde e a história do Maníaco do Trianon. No palco: o ator araraquarense Alexandre Cruz e também Marcelo Braga. Os lugares são limitados (130) e a retirada de convites será realizada a partir das 13 horas, no Teatro.

No sábado (25), véspera do encerramento da SLAMC, a Praça Pedro de Toledo recebe “Este Lado Para Cima – Isso Não é Um Espetáculo”, com a Brava Cia (São Paulo), às 17 horas. O grupo figura nos maiores festivais de teatro do país, apresentando este espetáculo de rua que fala sobre o poder do mercado e o controle das relações humanas exercido por ele. O tema é discutido com um humor anárquico e revolucionário.

Depois, às 20 horas, no Teatro Municipal, será encenado “Casa/Cabul”, com o Núcleo Experimental de Teatro (São Paulo), com Chris Couto e Sérgio Mastropasqua, e direção de Zé Henrique de Paula. O espetáculo traz o olhar para o testemunho de uma mulher, sobre o conflito do Afeganistão. O misterioso desaparecimento da personagem conhecida com Dona de Casa, uma inglesa entediada, desencadeia uma busca por parte de seu marido e de sua filha, que desembarcam em Cabul. A recomendação etária é para 14 anos, e a retirada de convites é a partir das 13 horas, no Teatro Municipal. “Casa/Cabul” será encenado novamente no domingo, para fechar a programação da Semana.

Um show musical com o grupo Mawaca encerra as atividades do sábado, às 20 horas, no Teatro do SESI. A capacidade é de 144 lugares e os ingressos serão distribuídos uma hora antes da apresentação, no SESI.

A programação da SLAMC se encerra no domingo (26). No Sesc, às 11 horas, será apresentado “E se as Histórias Fossem Diferentes?”, com a Cia Truks (São Paulo). Os ingressos podem ser retirados no Sesc, no dia da apresentação, a partir das 9 horas.

A Cia Tarcio Costa apresenta “Bate Lata e Vira Lata”, às 17 horas, na Praça do Daae, na programação do Choro das Águas, seguido por show musical com Alex Lima, às 18 horas. O espetáculo “Casa/Cabul” encerra a programação às 20 horas, no Teatro Municipal.

A SLAMC conta com o apoio cultural do Banco do Brasil, Novo Hotel Municipal e Bella Capri. Toda a programação é gratuita

POSTAGENS E COMENTÁRIOS DA 22 ª SEMANA LUIZ ANTÔNIO

2010-06-28T09:20:00.001-03:00

CRUZAMENTOS & LEMBRANÇAS

Todos os que têm alguma lembrança, seja foto, seja relato, algo divertido ou outra coisa qualquer das antigas Semanas enviem-nas para o e-mail da Semana Luiz Antônio: semanaluizantonio@araraquara.sp.gov.br, que o pessoal postará no Blog. Assim, anarquicamente faremos um mosaico desses momentos, bem ao gosto das primeiras Semanas Luiz Antônio.
Faço minha a primeira contribuição, a imagem que aí vai é de um dos primeiros crachás da APAU DE ARARA, a associação fundada pelos artistas que organizavam as Semanas e lutavam por uma política cultural em Araraquara.

OBS.: o alfinete é o original, está aí desde os idos...

Flávia Regina Marquetti

CRUZAMENTO DE ENCANTAÇÕES

2010-06-28T00:59:00.000-03:00

Nesses dez dias de apresentações da XXII Semana Luiz Antônio Martinez Corrêa, vimos subir aos palcos, quer fossem convencionais ou não, toda uma história do teatro nas suas mais diversas estéticas. Desde peças que retomam textos medievais, como as dos grupos Galpão e Rosa dos Ventos, passando pelo Renascimento, Grupo Preto no Branco e Produtos Notáveis, pelo século XIX, Bia Seidi e o Núcleo Experimental, até chegar ao moderno e ao contemporâneo, com as Cias Hiato e Simples, a Cia Inadequada, Os Satyros, Fernando Eiras e Emílio de Mello, Janaína Leite e Fepa e todas as demais peças e grupos que buscaram uma nova linguagem para esse fazer tão antigo, o ato de representar, de encantar.
O ator usa de seu corpo, de seus sentimentos, de seu sangue para dar vida a um personagem e cruzar sua existência à nossa, mais do que divertir, ele quer capturar a vida no que ela tem de mais intenso, de mais belo e de mais terrível, as relações entre os homens, seus desejos, suas angústias, suas alegrias, seus preconceitos, em suma, tudo o que faz com que sejamos SERES HUMANOS, falíveis e encantadores, pois só o que é falível, imperfeito pode enternecer, a perfeição é exclusividade de Deus e de sua eternidade, sempre igual a si mesmo.
O mais belo no teatro, o que faz com que nos emocionemos é a irremediável certeza do Humano, tanto no que diz respeito ao personagem quanto ao ator, ao contrário de todas as outras artes que usam da tecnologia como mediadora, o teatro nos permite ver ali, ao alcance da mão, em carne e osso, o personagem pulsando no sangue do ator. Essa presença física desses dois universos humanos tão distintos e tão reais, personagem e ator, fundidos em um momento único, que não se reproduzirá jamais, a não ser ali, naquelas poucas horas, com aquela platéia, naquele dia, pois cada espetáculo, embora o mesmo, é outro, é diferente, é marcado pelo inefável, pelo humano.
Benditos sejam os atores que se despem de si para viver o Outro e nos permitem viver com eles esse Outro, cruzamentos e encantações... a possessão de Dioniso – Evoé a todos que partilharam esta XXII Semana de LU(I)Z.

Flávia Regina Marquetti

A MEGERA DOMADA (PRODUTOS NOTÁVEIS – CAXIAS DO SUL/RS)

2010-06-28T00:53:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

A peça do Grupo Produtos Notáveis de Caxias do Sul foi um fecho perfeito para a XXII Semana Luiz Antônio, não só pela qualidade do espetáculo, mas porque apresentou o espírito da Semana, ou seja, as encantações e os cruzamentos.
Tendo a comédia de Shakespeare, A Megera Domada, como base, o grupo revestiu-o com as máscaras e a mise-en-scene da Commedia Dell’Arte, com figurinos de época e a utilização de bonecas para a representação de uma personagem (Bianca), se isso tudo não bastasse, a peça conta ainda com música ao vivo, efeitos sonoros e uma boa dose de humor.
A retomada de um texto clássico inglês, o uso das convenções da Commedia Dell’Arte (com direito a uma simpática homenagem a Arlequino, servidor de dois patrões, de Goldoni, pois o criado não só serve a dois patrões, mas também possui duas máscaras e indumentárias, que troca, deliciosamente, em cena com o auxílio da platéia) e a adaptação para a rua com suas intervenções e contextualizações para os dias de hoje (caso do uso das bonecas para Bianca, a mulher objeto desejada por todos, enquanto Catarina, nada objeto, é temida e rejeitada) representa bem a idéia central da Semana de cruzar as estéticas, as propostas teatrais e buscar um encantamento novo, aproximar do hoje o ontem e revelar a beleza existente no fazer do ator, na arte de interpretar, que independente da escolha estética, é sempre uma entrega.
Com irreverência e visão crítica, A Megera Domada, dos “guris” de Caxias do Sul propõe uma releitura de Shakespeare e uma reflexão sobre os papéis sociais e as relações de hoje, uma peça TRI Legal.

Flávia Regina Marquetti

11º CRUZAMENTO - Varanda - Atelier Lauro Monteiro – Paraty/RJ

2010-06-27T13:45:00.000-03:00

Lauro, seria muito bom ter as coisas todas das antigas Semanas registradas, não há dúvida, assim um pouco da história de Araraquara não se perderia. A Euzânia exibiu no Café de Investigação da Edna Portari um vídeo da 1ª Semana, lembra?! Aquela que fizemos na frente da Casa da Cultura pela manhã e no atelier da Euzânia à noite e foi muito legal ver todo o pessoal, muitos já se foram, como o Wilcon, a Cecília, outros estão longe, como o Evaldo Barros, hoje morando em Portugal, o pessoal do Jatubá fazendo uma leitura dramática, sem falar na exibição do Osni e da Eda na frente da Casa da Cultura, na parte da manhã, ali onde fica a Banca Espírita, os meninos da Radio Brasil, dirigidos pela Bernadete Passos e tanta gente que se esforçou, lutou, trabalhou de graça e colocou dinheiro do bolso para que hoje a XXII Semana Luiz Antônio Corrêa aconteça com esse brilhantismo. Sem dúvida é necessário resgatar essa história.

Flávia Regina Marquetti

10º CRUZAMENTO - HORA/LOCAL

2010-06-27T00:19:00.000-03:00

Ontem enquanto esperava o início da peça Festa de Separação, eu discutia com outros que ali estavam a questão da escolha do local e da hora das apresentações. Por que algumas peças escolhem espaços e horários alternativos?
Não é simplesmente para nos tirar de casa em horários malucos, as boas peças, como as que vimos até aqui na XXII Semana Luiz Antônio, têm um bom motivo para isso e esse motivo está ligado à estrutura da sua dramaturgia.
No caso de Festa de Separação a escolha do horário, meia-noite, para o início não é nada casual, como muito bem diz o texto da peça, é à meia-noite que os encantamentos se quebram, Cinderela vira Gata borralheira, o príncipe vira sapo, a carruagem, abóbora e assim por diante. Iniciar uma peça, cujo tema é a separação e o desencanto amoroso, à meia-noite, é marcar esse momento tão terrível do fim do conto de fadas. Mas é também o horário em que as atividades externas, geralmente, cessam e que a solidão e o desejo de companhia nos fazem procurar o amigo para desabafar. Isso geralmente é depois das 24h, quantos de nós já não recebemos um telefonema, ou mesmo uma visita, em horário pouco convencional de um amigo precisando conversar e pedir um ombro?! Essa é a idéia da peça, ali não entramos como simples espectadores, mas como amigos com que se reparte algo muito íntimo, doloroso, com quem se pode chorar.
Os mais observadores notaram que o cenário era composto de forma a criar dois nichos, o dele e o dela, mas não poderíamos caracterizá-los como sala ou quarto, eram, na verdade, aqueles pequenos espaços, “cantinhos”, onde arrumamos o que mais gostamos, onde sentamos para ler, estudar, ouvir música, ficar só ou receber um amigo íntimo, este era o cenário/ambiente de Festa da Separação.
Outra peça que também nos levou para dentro, para próximo de seus personagens foi Hipóteses para o Amor e a Verdade, a escolha de um ambiente pequeno, para no máximo 60 pessoas (caso do espetáculo em sua forma original), revela o desejo de colocar o público cara a cara com a realidade que só observa de longe, passando de carro e sem baixar os vidros. Aqui a proposta é também de intimidade, mas em outro sentido, buscando fazer com que o espectador veja aqueles seres como iguais, como seres humanos que sofrem e sentem como qualquer um e, para isso, os Satyros nos colocam convivendo com eles.
Escuro ao adaptar seu formato original para viajar acabou perdendo um efeito essencial de sua proposta. Para os que não sabem Escuro foi concebida para ser realizada em uma piscina vazia, os atores no fundo, a platéia sentada na borda. O que muda? Tudo muda, nós a vimos confortavelmente sentados em poltronas do teatro, com nossos pés firmemente colocados no chão, seguros.

Peço que façam um exercício, imaginem a cena inicial, que ocorre no escuro, portanto sem luz alguma, quando se anuncia no alto-falante que ocorreu um acidente na piscina, a sensação que a cena nos causaria se estivéssemos sentados na borda de um enorme vazio, sem nada enxergar... No contexto da peça, nós estaríamos representado os atletas cegos (sentados na borda) que teriam ido para a competição do clube e, no final, quando se retoma a cena inicial e sabemos que alguém morreu ou se matou e há vários personagens que podem tê-lo feito, nós também estaríamos entre aqueles que estão na beira do abismo ou borda da piscina.
Nós vimos Escuro como quem vai a um grande aquário, protegidos pelo vidro/quarta parede que o teatro nos dá. Isso não quer dizer que a peça ficou menos interessante, apenas que ficou diferente, temos que racionalizar para alcançar seu efeito.
Em contrapartida, IN ON IT ganhou com o enorme palco de nosso teatro municipal, bem maior do que os atores estão acostumados no Eva Herz. Poderiam ter reduzido o espaço, mas exploraram a amplidão, o vazio para intensificar a idéia de distância entre os personagens e o enorme esforço que tem que ser feito para se lançar uma ponte e quebrar a solidão.
Mas e as peças em formato tradicional, nada trazem em suas ambientações? Ao contrário, tomando Cândida como exemplo. A peça escrita no século XIX foi pensada para o espaço da caixa do teatro e ali a vimos, mas a escolha do espaço feita pelo autor para ambientar as cenas é relevante. Shaw escolheu a sala da casa como cenário para Cândida e seus embates ideológicos, poderia tê-la ambientado na sala de jantar (mais intima), ou ainda em um dos quartos (mais íntimo ainda), mas escolheu a sala de visitas, essa opção indica o desejo de colocar a sociedade da época em cena e mais, a persona social dos homens da era Vitoriana em questão. As mudanças apontadas por Shaw na peça são da ordem do público, da aparência e não do íntimo, do ser e aí reside a crítica mais forte do texto.
Como se pode ver, local e hora escolhidos para o espetáculo podem dizer muito e da harmonização deles nasce o encantamento.

Flávia Regina Marquetti

FESTA DA SEPARAÇÃO. Um Documentário Cênico (Janaina Leite e Fepa – SP)

2010-06-26T03:08:00.000-03:00

Tocante, envolvente, inusitado e, sobretudo, corajoso, este foi o “Documentário Cênico” apresentado por Janaina Leite e Fepa. Pensado a partir da separação real do casal, Janaina e Fepa, a peça é o relato da experiência vivida por ambos ao decidirem se separar e nas festas que deram para os amigos na época. Buscando um ritual que equivalesse aos que cercam a união, o casamento, Festa da Separação nos propõe uma discussão sobre os relacionamentos no mundo de hoje.
Bem humorado, contando com vídeos feitos pelo casal em diversas fases da união e da separação, com músicas, trechos de filmes, de livros, de conferências, de depoimentos dos amigos, e de tudo o mais que cerca esse universo comum e, ao mesmo tempo, em cisão. Festa da Separação é ambientada em um espaço também cindido, há dois lados, o dele e o dela, (tanto no palco quanto na platéia), o dele recebe na entrada cachaça, o dela bombom sonho de valsa, dialogando simultaneamente com a platéia os atores constroem o prólogo, nos fazendo lembrar os momentos iniciais das separações, quando cada qual procura seu grupo para desabafar, contar o que houve e buscar apoio.
No palco (não convencional) vemos as coisas dele e as dela, as lembranças que cada qual guardou da relação e de suas vidas, intimista, o espetáculo cria uma cumplicidade com o espectador deliciosa. Muitos ao meu lado chegaram às lágrimas nos momentos mais intensos. Corajosamente os atores expõem suas vidas, seus sentimentos, suas dores nos fazendo rever os nossos conceitos de amor, união e separação.
Uma belíssima peça, feita na raça, em muitos sentidos, sobretudo hoje, pois Fepa caiu à tarde e rompeu os ligamentos do joelho e mesmo com dor e mancando fez o espetáculo... dizem que ele não é ator, mas músico, acredito que a partir de hoje ele mereça sim ser considerado um ator, pois só alguém que ama o palco faz isso.

Flávia Regina Marquetti

CÂNDIDA (Bia Seidi e Núcleo Experimental – SP/RJ)

2010-06-26T03:01:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

O espetáculo, Cândida, do Núcleo Experimental trouxe aos palcos da XXII Semana Luiz Antônio um texto do século XIX, de Bernard Shaw, autor que sabe explorar os diálogos entre as personagens, construindo um jogo dialético entre as diversas facetas sociais por eles representadas.
Ambientado na Inglaterra Vitoriana, quando a explosão industrial tem lugar, Cândida discute o papel da mulher em uma sociedade burguesa e patriarcal, e que vê surgir novas doutrinas, como a Socialista. Os conflitos desencadeados entre os discursos, ideais pregados pelas personagens e suas ações é o ponto central para que Shaw desenvolva sua trama.
Com montagem que recupera o teatro tradicional, quase esquecido nesses tempos de experimentações, Cândida busca recuperar o universo vivenciado por Shaw, com cenário e figurinos de época, só inovando na apresentação das rubricas em cena. Um espetáculo correto, embora um pouco frio. Destaque para Fernanda Maia, no papel de Prosérpina, uma divertida secretária.

Flávia Regina Marquetti

IN ON IT (Fernando Eiras e Emílio de Mello – RJ)

2010-06-25T06:16:00.000-03:00

De todas as peças teatrais até aqui vistas, a mais difícil de comentar talvez seja esta, de Fernando Eiras e Emílio Mello, IN ON IT. Dizer que é uma riqueza... é pouco e nada diz em verdade, que as atuações são primorosas e impecáveis, todo mundo já disse e os prêmios comprovam. Talvez convenha começar por dizer que esta peça é um dos mais tocantes duelos entre dois grandes atores que já se viu.
Segundo Nietzsche, todos os homens são uma ilha, isolados em seus mundos e incomunicáveis, este é o ponto de partida de IN ON IT, mas em sua estrutura muito bem desenhada, como a luz e a marcação cênica, encontramos intersecções (pontes) entre esses círculos/ilhas que compõem os encontros e desencontros das personagens.
Com um cenário limpo, só recortado pela luz, dez personagens constroem uma teia delicada de relações. Em nenhum momento a cena é óbvia, embora possa parecer de uma simplicidade quase pueril, mas é necessário que o espectador triplique a atenção para poder fruir esse jogo que é desenhado na luz, que abre e fecha focos circulares, cria quadrados que vão do branco ao vermelho, todos plenos de significados para a cena. A marcação dos atores obedece à mesma orquestração, a palavra contracenar ganha novo sentido nos corpos e gestos desses dois esgrimistas, ora quebrando com as convenções do que estamos acostumados a ver, ora dentro de um naturalismo tradicional.
É quase impossível detalhar os pormenores, ou isolar uma cena, pois cada segundo, cada gesto tem um contorno próprio, mesmo que os vejamos repetidos mais adiante, são outros, embora os mesmos e é esse o segredo de IN ON IT, ser muitas peças em uma só, ser o conflito de vários personagens em um. Múltiplo e uno; perfeito no todo, mas deliciosamente fragmentário; quase uma divindade que nos toca e nos leva ao êxtase, só assistindo para sabê-lo.

Em tempo, nada mais perfeito para comemorar o dia do aniversário do Luiz Antônio do que a apresentação de Fernando Eiras e Emílio de Mello, o Luiz ia amar a peça e o trabalho dos atores. Evoé Fernando! Evoé Emílio! Evoé Luiz! Que a estrela de vocês continue brilhando muito.

Flávia Regina Marquetti

9º Cruzamento - Os Satyros e Silvia

2010-06-24T17:09:00.000-03:00

É verdade, Silvia, que muita gente ficou de fora do espetáculo dos Satyros, mas não creio que os 124 espectadores ali presentes não estivessem DE FATO querendo vê-lo, se assim fosse não teriam chegado às 18h e ficado por mais de 3h esperando na fila. Outra coisa que me deixa abismada é que se fale tanto de respeito ao público e não se respeite o formato escolhido para o espetáculo. Hipóteses é um espetáculo intimista, em São Paulo é feito para 60 pessoas, o Grupo aceitou dobrar o número de espectadores para a XXII Semana, mas querer que eles descaracterizem sua própria proposta é não respeitar o que se diz querer ver. Mas se não foi possível vê-los aqui, sempre é possível ir a São Paulo, onde o espetáculo fica até o fim do ano e no seu formado mais apropriado, para 60 pessoas, e em um ambiente que se tentou reproduzir aqui, mas que lá é o ideal.

Flávia Regina Marquetti

8º CRUZAMENTO - ESCURO E THIAGO

2010-06-24T14:47:00.000-03:00

Nada é mais frustrante do que ver um belo espetáculo e não ter com quem comentar, eu concordo contigo, por isso a idéia do Blog. Boa aproximação a que você fez entre o nome da Cia Hiato e o tema, não deixa de ser uma lacuna, uma falha na comunicação.

Flávia Regina Marquetti

7º CRUZAMENTO – TILL/HIPÓTESES /ESCURO

2010-06-24T13:07:00.000-03:00

O que há de comum entre essas três peças? Aparentemente nada, mas se olharmos mais detidamente veremos que elas tratam de um mesmo ponto, com estéticas completamente diversas, sem dúvida.
Logo no início da peça dos Satyros, na fala do personagem Léo, TILL, do Grupo Galpão, é retomado, “o que sobra de um ser humano se tirarmos tudo dele?” A partir da mesma reflexão os dois grupos teatrais nos apresentaram peças muito distintas. Observem que a temática de Till data do Medievo, período profundamente marcado pela fé cristã, pelo medo e pela cisão entre corpo e alma, ao passo que os Satyros se propõem a discutir o pós-homem, ou seja, a possibilidade de transformação física e, claro, do próprio ser que é decorrente desta. Como na Idade Média, corpo e alma travam um embate, assumir um corpo e suas ações é questionar a sociedade, seus postulados e, sobretudo, definir um Eu em relação a um Outro, uma alteridade fada ao conflito.
Mas enquanto o Galpão optou por retomar a estética medieval, mesclando os gêneros, o riso ao lírico, os Satyros se posicionam no extremo oposto, trazendo o máximo de tecnologia para a cena, sem medo de explorar todos os conceitos da Arte Contemporânea, desde a frivolidade da arte como mercado, como expressão irônica dessa relação homem/consumo, ao desvelamento do interdito, a nudez dos corpos transformados e os sites de pornografia.
Para alguns dos que acompanham a XXII Semana, a estética apresentada pelos Satyros é uma estética de choque, mas a nudez em Hipóteses para o amor e a verdade não é nem erótica, nem chocante, ao contrário, ela é a expressão da dor, da dor do diferente, do que não é aceito, do preconceito e da luta em busca de afeto, como em Till e como em Escuro, uma das peças mais ousadas dessa XXII Semana Luiz Antônio.
Escuro, das Cias Hiato e Simples de Teatro, não apresentou nudez física no palco, digo física porque não havia nenhum corpo pelado em cena, mas as almas e as relações foram despidas. Se os Satyros ousam com a presença dos transexuais em cena, Escuro ousa tanto ou mais, expondo outros corpos/seres marginalizados, estigmatizados e vítimas de preconceitos, mas a ousadia maior é estética, na contra mão das propostas contemporâneas, na qual o feio, o sujo, o escatológico, o underground é a tônica, o maior arrojo das Cias Hiato e Simples foi explorar o belo, a delicadeza, a poesia visual e dramatúrgica.
A partir de Till, passando por Escuro até Hipóteses para o amor e a verdade tivemos uma verdadeira aula sobre como o tema das relações humanas, do preconceito e da incomunicabilidade pode ser explorado e, sobretudo, como a presença dos corpos dos atores em cena emprestando sua técnica, seus gestos, seus sentimentos às personagens nos faz por alguns momentos esquecer a distancia entre o Eu e o Outro e nos possibilita realmente um diálogo, um encontro com o Ser Humano, ainda a essência de toda obra de arte.

Flávia Regina Marquetti

Isabela, a Astróloga de Araque (Cia Preto no Branco - São Carlos / SP)

2010-06-23T22:47:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Nada é mais prazeroso do que ver um grupo jovem com muita criatividade e já com estilo próprio. O Grupo Preto no Branco de São Carlos, nos fez rir muito com a sua divertida farsa: Isabela, a astróloga de araque, retomando as personagens e convenções da Commedia dell’ arte, embora sem o uso de máscaras, o Grupo usou e abusou dos recursos sonoros em cena, música ao vivo, composta ou parodiada por eles; um excelente trabalho de corpo, destaque para Arlequino, e interpretações no ponto, impossível não se apaixonar por Briguela.
O texto bem aos moldes da Commedia dell’arte, é uma intriga amorosa, na qual o velho Pantaleão deseja se casar com Isabela, que ama Florindo, filho de Pantaleão, mas com a intervenção dos criados tudo se resolve, até mesmo a grande dívida de Pantaleão para com Matamoros. Mas se a intriga é bem conhecida do gênero, as intervenções e atualizações feitas pelo Grupo são bastante originais, impagável a música de Sidney Magal, o meu sangue ferve por você, no meio do duelo entre Matamoros e Arlequino e outros grandes momentos no qual o improviso é muito bem explorado em cena.
O pano de fundo, ou cenário, muito simples, bem ao gosto do gênero, é composto por uma cortina de retalhos, num delicioso “abrasileiramento” da proposta, no chão um semicírculo feito por uma corda, e estava delimitado o palco, os atores sentados do lado de lá desta produziam os sons, a música e outras intervenções na cena, nada mais simples e nada mais teatral.
Quem não foi à Escola Municipal de Dança Iracema Nogueira perdeu um ótimo espetáculo e a possibilidade de ver o novo prédio, muito bonito. Boa sorte ao pessoal do Preto no Branco e que eles continuem investindo neste caminho, que nós estaremos na platéia sempre que possível.

Flávia Regina Marquetti

6º CRUZAMENTO – PASSAGEM RÁPIDA NA ESQUINA DE ESCURO

2010-06-23T11:23:00.000-03:00

Respondendo a “enquantovejo”, a atriz que faz a personagem Flávia não possui problema algum, o que vimos foi um magistral trabalho de interpretação.

Flávia Regina Marquetti

E... A VACA FOI PRO BREJO (CIA TÁRCIO COSTA – AMÉRICO)

2010-06-23T11:10:00.000-03:00

Nesta manhã a Cia Tarso Costa fez a alegria de crianças de três escolas com um espetáculo divertido e educativo, mas sem ser chato, pois muitas vezes os espetáculos que trabalham temas ligados à preservação da natureza, sobretudo os voltados para o público infantil, são cansativos e tratam o tema como no livro didático. E... a vaca foi pro brejo fugiu dessa esparrela e contagiou as crianças, com cenário, indumentária e objetos cênicos todos feitos com material reciclado, até mesmo a vaca.
Com música ao vivo, boas canções e boa afinação, a Cia Tarso Costa fez a meninada interagir com o espetáculo e detalhe interessante, enquanto nas peças adultas, os espectadores se “esquivam” da interação, com a molecada a conversa é bem diferente, eles querem participar, foi divertido ver que algumas crianças sentadas mais para a lateral da platéia, mudaram de lugar, para mais próximo do corredor central a fim de poderem ser “puxadas” para o palco.
Um gostoso espetáculo que ao ensinar a preservação da natureza também educa os olhos dos pequenos em relação ao teatro, criando futuros espectadores. Destaque para a necessidade de a Vaca ter de se apresentar no saguão, após o espetáculo, aos pequenos fãs que choravam querendo vê-la, a despedida foi entre beijos e acenos.

Flávia Regina Marquetti

Hipóteses para o Amor e a Verdade - (Os Satyros - São Paulo / SP)

2010-06-23T01:57:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

O espetáculo d’Os Satyros, Hipóteses para o Amor e a Verdade, poderia também se chamar Ensaio para a Solidão, digo isso porque em meio à grande ”parafernália” eletrônica utilizada na peça fica evidente a dor, a solidão e o desejo de amor do Homem.
Com um espetáculo interativo, que brinca com o público e seus celulares, que joga com a internet e seus chats e sites de pornografia ou de relacionamentos, o grupo soube aproveitar os diversos meios de comunicação para ilustrar a incomunicabilidade.
Mesclando momentos de profunda tensão, como na cena da prostituta embalada por papel filme pelo cliente apaixonado, que quase a asfixia para que diga o que quer; a cenas divertidas, como a da travesti que é guia turística das micro-realidades (deliciosa), a do gerente de fábrica que se confessa amante da luxúria, a peça não chega a ser distensa, pois mesmo nestes momentos mais leves, em que o riso brota, o texto é denso, os corpos, os gestos mostram a urgência desses personagens em se sentirem vivos num espaço que cada vez mais perde a humanidade.
Com o cenário composto por computadores, telões, manequins pintados e suspensos por correntes e até uma singela cortina de argolinhas, muito funcional, por sinal, os espectadores são convidados a se misturarem a esse mundo do centro velho de São Paulo, compondo junto com os personagens um mundo estranho, no qual ninguém ama ninguém e nem se comove com nada, mas que toca, incomoda, enternece. Um belíssimo espetáculo e reflexão sobre o homem, ou como querem os Satyros, o pós-homem.
Quase me esquecia, o detalhe delicado do bilhete em pedacinho de papel que o gerente de fábrica oferece ao público, com exceção dos escolhidos e seus mais próximos, não ficamos sabendo o que está escrito nele e isso é o melhor, pois cada um de nós escreveu ali alguma palavra ou mensagem que talvez oferecesse ao outro.

Flávia Regina Marquetti

Roleta Russa - (Cia Aindasemnome - Ribeirão Preto / SP)

2010-06-23T01:55:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

A Cia Ainda Sem Nome, de Ribeirão Preto, buscou em Roleta Russa um jogo limite, no qual as personagens, no auge da sua violência e frustração, matam o que poderíamos chamar de poder, seja ele um representante da família, do clero, um chefe de serviço, ou outra forma qualquer. O tema que poderia ter sido melhor explorado rendeu uma peça morna, com lições de moral em algumas partes. Em um cenário todo quadriculado em branco e preto e com figurinos também nestas cores, que criam uma bela imagem, Roleta Russa deixou de explorar a idéia primeira que seu visual sugere: o Jogo de Xadrez, lembrando que este é um jogo de guerra. Sem usar de uma marcação característica do jogo, que poderia render muito, não só plasticamente, mas também à proposta, a Cia preferiu uma marcação e gestualidade a meio termo, corpos rijos, mas que não chegam a ser as peças do tabuleiro, que poderiam ser movidas por mãos invisíveis.
A música é o sexto integrante do grupo, longa, com letra que se funde à temática da peça, mas que não cria o efeito esperado, de comentar a cena nos moldes de Brecht, ação que esperei dela. O título também me pareceu perdido, pois o “jogo” de roleta russa é na verdade um misto de suicídio e assassinato, já que os que disputam voltam a arma para si e caso não ocorra o disparo é passada ao próximo e assim sucessivamente, até que um dos “jogadores” morra diante dos demais, esta idéia está ausente da peça, pois todos se voltam contra um personagem específico, com os demais alternando a possibilidade do assassinato, talvez os autores tenham pensado que esta troca da arma entre os personagens sugerisse a roleta russa, o que, no meu caso não ocorreu, fiquei torcendo para que o jogo de acusação iniciado realmente se voltasse aos demais personagens, mas também não correu. Faltou bala na agulha para Cia Ainda Sem Nome.

Flávia Regina Marquetti

5º CRUZAMENTO – Inadequada - 4ª postagem

2010-06-22T16:14:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Meu caro amigo, a culpa não é nem sua nem da peça, como disse antes, gosto é algo particular e cada um de nós tem um. Minhas colocações no Blog não são para convencer ninguém de que algo que é ruim é bom, pelo contrário, eu apenas tento discutir as propostas de um ponto de vista técnico, quando percebo que há uma proposta e que ela foi executada com correção, comento os “achados” desta, pois como disse ao Cassiano, minha função aqui não é dizer se eu gostei ou não, isso cabe a vocês, eu apenas faço uma leitura, que não se pretende única, das peças.

Flávia Regina Marquetti

4º CRUZAMENTO – AGORA NA ESQUINA DE ESCURO

2010-06-22T15:56:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Respondendo a Nany, muito bem colocada a sua observação Márcia, a atriz que fez a personagem Flávia teve um esmero incrível na construção da personagem, gestos, voz, impecável, o que nos mostra um trabalho árduo de observação e ensaios. Outro trabalho minucioso e divertido e que cativou a todos foi a da personagem Aline, ou ainda do menino, que como a Secretária era mais “natural”, mas primorosos, criando um equilíbrio entre as diversas dificuldades de expressão.
Por falar na gestualidade, o grupo todo apresentou uma sincronia na repetição de alguns gestos e mesmo no que chamei de ciranda das cenas maravilhosa. Como tudo no espetáculo de um cuidado minucioso, primoroso, uma jóia. Eu costumo fazer destaques de coisas que me chamam a atenção nas peças, nesta não consegui, o conjunto todo de Escuro é o destaque.
Quanto ao que você postou Zé Guilherme, muito boa leitura, toda as cenas da peça são arranjadas de forma a que as vejamos de vários ângulos, mas têm algo de imobilidade, de instantâneo, como fotos, que muito bem podem ter sido feitas pelo personagem do fotógrafo, mesmo porque havia uma ou várias fotos que estavam em cena, na mão das demais personagens, que nós não vimos e que bem podem ser as cenas mostradas.
Sua leitura das fotos também me levou a outra reflexão. Eu havia visto no título, Escuro, a idéia de imobilidade, de medo, fragilidade e até desespero que nos acomete quando ficamos em um local sem qualquer iluminação, mas com a sua sugestão me veio também a da câmara escura, usada para revelar as fotografias feitas com máquinas como a que portava o fotógrafo e por oposição o que não é visto nos é revelado na peça.
A idéia da circularidade do texto, que vai como numa espiral “apertando” as informações para chegar à mesma cena do início é excelente, sobretudo, porque deixou o final em aberto, havia vários personagens que poderiam ter sofrido o “acidente” na piscina, com exceção da Secretária que está ao microfone. A teia dramatúrgica criada por Leonardo Moreira é mágica, pois consegue não ser cansativa e nos prende sem que sintamos o tempo, por incrível que pareça, ela durou 1h30. Um trabalho de joalheria, é a palavra que melhor define Escuro, sinto muito pelos que não viram.

Flávia Regina Marquetti

3º CRUZAMENTO – ainda na esquina da Inadequada

2010-06-22T15:11:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Pois é Fúlvia, você pode não achar nada de legal na peça, mas como alguém que estuda teatro e faz teatro tem que ao menos respeitar a busca de uma estética nova, paciência se ela não agradou ao público e é mais uma discussão teórica do que espetáculo propriamente dito. Toda inovação causa estranhamento e desconforto, para não dizer, má recepção, faz parte do risco. Nós temos a tendência de gostar do que já conhecemos e isso é muito natural, o que foge terrivelmente do nosso universo cria impacto e é difícil de assimilar, todas as estéticas passaram por isso, como nós estamos no “fim” dessa longa linha de experimentos, as propostas já chegaram conhecidas, amadurecidas, transformadas e a gente acostumada a elas. Se ninguém tivesse ousado mudar nós não teríamos saído do gripo primal. Valeu a postagem.

Flávia Regina Marquetti

2º CRUZAMENTO

2010-06-22T11:44:00.000-03:00

Respondendo ao Cassiano e a Zandali. Vou ver o texto da Claúdia Schapira, que infelizmente não conheço, não sei se dará tempo durante a SLAMC, mas com certeza a gente vai comentar ele um dia desses nas ruas.
Cassiano, lembro bem do espetáculo do XPTO, com um texto do Lorca, que nenhum de nós gostou, lembro que comentei a proposta, mas que o grupo não a havia atingido por n fatores que não cabem aqui.
No caso da Inadequada acredito que é outra coisa, não sei se é só a minha leitura do espetáculo e não a proposta consciente do grupo, mas vá lá, é uma leitura que o espetáculo propiciou. O que o incomodou e a outros é a fragmentação da cena, essa pulverização que não permite ter, se quer, um fio condutor. Qual era a “história” da Inadequada? Nem eu respondo essa, o tema era futebol, mas não tinha história, nosso gosto teatral, no qual me incluo, pede um desenvolvimento dramático no qual vemos não só o esboço de um personagem, mas aquela densidade do teatro que faz com que naqueles minutos toda a existência se revele numa cena e isso não há na proposta da Inadequada.
Agora, se você quer que eu me posicione do tipo gostei ou não gostei do espetáculo, que é outro tipo de julgamento e que nem caberia a mim aqui, eu me posiciono... não sei se gostei ou não, é diferente e isso sempre me atrai, você sabe, gosto de quem se arrisca, mas só vi esse espetáculo neste formato até hoje e com apenas um espetáculo não dá para ter um critério de se gosto ou não, talvez a gente se encontre mais pra frente, vendo outros espetáculos deste tipo e eu chegue a conclusão que não satisfaz o desejo de teatro almejado por mim, talvez, mas para isso preciso ver muitos outros espetáculos da própria Cia Inadequada e de outras companhias que usem a mesma linguagem fragmentada. Mas o espetáculo valeu, com certeza, por despertar esses cruzamentos.

Flávia Regina Marquetti

Escuro (Cia Hiato e Cia Simples - São Paulo / SP)

2010-06-21T23:43:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Escuro (Cia Hiato e Cia Simples de Teatro – SP)

2010-06-21T23:30:00.000-03:00

A peça de hoje, Escuro, da Cia Hiato e Cia Simples de Teatro de São Paulo, foi uma deliciosa surpresa, digo isso porque fazer uma peça onde os personagens apresentam deficiências físicas e mesmo mentais nos leva a imaginar algo denso, pesado e as duas Cias nos pegam exatamente aí, com uma peça leve, divertida, com interpretações impecáveis, com figurinos, cenário e iluminação ao mesmo tempo simples e requintados, poderíamos dizer líricos.

Usando uma palheta que vai do azul ao verde, mais o branco e o negro, o figurino não só estabelece o elo necessário entre os seres e a água da piscina imaginária, como nos remete à idéia de tristeza, solidão e esperança, na vida desses delicados peixes mergulhados na piscina branca. O uso do branco para a piscina corrobora ainda mais para a idéia de amplidão e, portanto, de desamparo desses seres quase imaterias que flutuam no vazio de uma existência difícil.
O uso dos aquários enquanto um signo da piscina é magistral, pois não só dá a dimensão da água, mas também do confinamento e de serem os personagens “animais” em exposição, peixes exóticos devido às suas deficiências.
Para os que não puderam assistir a Escuro, lendo o que escrevo talvez tenham uma idéia errônea sobre a peça, embora quase todos os personagens apresentem algum tipo de problema visual, de fala ou auditivo, a peça transcende este limite e com uma dramaturgia deliciosa nos faz entrar na ciranda dos fatos e ver que todos nós fazemos parte desse universo, que as deficiências ali apresentadas são só uma divertida maneira de nos fazer ver a grande deficiência do ser humano: a incapacidade de comunicar seus sentimentos e de lidar com o diferente.

Flávia Regina Marquetti

1º CRUZAMENTO

2010-06-21T22:43:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Alguém veio me dizer hoje que “não achou tão legal a peça da Cia Inadequada, pois tudo estava muito disperso, não era como as outras, que prendiam a atenção” e o Cassiano postou também um comentário sobre ela, respondo a ambos.
Pois bem, a proposta estética da Cia Inadequada é bastante diferente das demais peças vistas até aqui na Semana, mesmo com a presença de peças de rua como Till e A farsa do Advogado Pathelin. Se nas duas anteriores, como na Inadequada, os atores usam do improviso, têm de lidar com a intervenção não programada do público, eles, ao contrário da Inadequada, possuem um foco, um núcleo dramático que se concentra em um único ponto, o “palco” e sua ação, isso se deve ao fato de serem peças cujas estéticas datadas do Medieval, visavam capturar o olhar do público para a cena e a mensagem aí veiculada.
No caso da Inadequada Futebol Clube a idéia é outra, todos os que já foram a um estádio de futebol sabem que a torcida é parte integrante do espetáculo, mesmo em jogos como os da copa do mundo a torcida às vezes rouba a cena, até mesmo pela TV; quando pensamos em jogos menos interessantes, aí sim é que a torcida ganha a frente e inverte a relação de ver e ser visto. Dou um exemplo meu, embora não goste de futebol, quando adolescente ia aos jogos da São Manuelense, time da minha cidade natal, que pertencia à última divisão da última divisão naquela época, o jogo sempre era ruim, os jogadores mais chutavam o campo que a bola, pois bem, e porque a gente ia? Ora para ver a torcida da São Manuelense, um espetáculo a parte, divertido, engraçado e que infernizava a torcida adversária, geralmente acabando em pancadaria. É esse espetáculo disperso, que mescla a necessidade de dividir a atenção ora no centro do palco/gramado ora nos lances que ocorrem fora dele é que a Cia Inadequada trouxe.
Durante o espetáculo da Cia Inadequada, há todo momento havia algo acontecendo no “centro” da representação, mas as conversas dos atores com o público (quando apresentavam as crônicas do Nelson Rodrigues) muitas vezes roubavam a cena, pois os risos e manifestações dos ouvintes, vistos de longe pelos demais presentes, aguçava a curiosidade, uma expectativa em descobrir o que estava acontecendo ali... e como as reações variavam de acordo com o grupo e o texto, nós nos movíamos como torcedores que percebem algo acontecendo além da partida, do outro lado da arquibancada, com pescoços erguidos, caras de suspense e até o desalento de não ver surgir a tão esperada “briga” que se anunciava em nossa imaginação.
O espetáculo da Cia Inadequada propõe que se assista não só ao palco, mas também a platéia, como num jogo, no qual a atenção do campo às vezes sobe para arquibancada e vice-versa, interagindo, nada mais adequado para quem escolheu como tema o espetáculo do futebol, proposta cênica e tema em perfeita sintonia, melhor que muito time por aí.
Deixo claro que tudo isso é uma leitura técnica, minha função aqui no Blog, mas o público é o melhor juiz, pois o espetáculo é feito para ele e o gostar ou não de determinada estética ou condução da dramaturgia é direito pleno de todo espectador.

Flávia Regina Marquetti

Inadequada Futebol Clube (Cia Inadequada - São Paulo / SP)

2010-06-21T03:25:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Nada mais adequado em dia de vitória do Brasil na copa do que a apresentação da Cia Inadequada de São Paulo, com uma proposta interativa que aproveitou a alegria da torcida, reunida diante do Teatro Municipal, para fazer a festa da Inadequada futebol clube. Com muito jogo de cintura, os atores da Inadequada driblaram os “adversários”: aqueles que já tinham comemorado o suficiente para duas copas, as famosas vuvuzelas (que Nelson Rodrigues deveria conhecer como cornetas, mas com certeza adoraria o novo nome... já que permite um bom trocadilho), o barulho dos carros e com esplêndidos olés conquistou o público que foi para vê-los e os que nem sabiam do que se tratava.
Com crônicas de Nelson Rodrigues sobre o futebol, muito bem escolhidas, o timão da Inadequada mostrou muita raça em campo, sabendo aproveitar a grande paixão do brasileiro e toda a codificação de gestos e expressões que compõem esse universo em arte. Desprovidos de cenário, iluminação, objetos cênicos, os atores contam apenas com seus corpos e indumentária, um simpático uniforme de futebol, com meias de várias cores e nas costas de cada participante números que formam a palavra GOOL!, de ponta-cabeça, grande sacada. A Inadequada conseguiu, com esses poucos recursos, um belo espetáculo.

Flávia Regina Marquetti

Pocket Show Maldito (Show com Os Cubanista)

2010-06-20T03:48:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Sai de Si (Cia Arte & Performance - Araraquara / SP)

2010-06-20T03:43:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

A proposta da Cia Arte & Performance tinha a irreverência e frivolidade do contemporâneo que apontei como falta na apresentação da Ditirambo Cia de Dança Contemporânea, mas infelizmente a resolução cênica não atingiu o esperado.
Quando se fala de frivolidade na arte contemporânea está se falando de propostas que não coloquem a arte num pedestal, como a da Cia Arte & Performance, de explorar o banheiro e suas várias funções na vida do homem, mas isso não quer dizer que se deva esquecer a qualidade do produto. Faltou além de técnica, uma melhor amarração entre a idéia original, seus desdobramentos e um aprofundamento no tema. As cenas de dança não contribuem em nada para o texto, algumas boas piadas que poderiam ter surgido, como no caso dos escritos de banheiro, ficaram prejudicadas pelo fato de a platéia não conseguir ler o texto, coisa banal de se resolver, já que se usou recursos de mídia; o mesmo ocorre com a cena de convidar uma jovem da platéia para ir ao banheiro, é notório que as mulheres vão em grupo ao banheiro, mas parou aí a idéia, ela não teve uma continuação, poderia ter sido feita uma conversa lá atrás na coxia que o público estaria ouvindo, e, finalmente, se revelaria o porquê delas irem juntas ao banheiro e assim outras tantas coisinhas que ficaram sem o acabamento e o desenvolvimento necessário para que Sai de Si justificasse o título.
Um banheiro bem família, tirando a morte, não vimos ninguém se drogar, amar, se prostituir e tantas outras coisas que ocorrem em banheiros, mesmo o ato de despir-se, que é mais característico de todo e qualquer banheiro ficou a meio termo, comportadamente vestido, entendo que na fragilidade do espetáculo apresentado não caberia a nudez, mas então, porque fazer referência a ela. Em suma, ninguém saiu de si neste espetáculo, quem sabe em um próximo o espetáculo ganhe novos contornos, melhores textos e sai de si realmente.
Em tempo, existem alguns achados muitos bons, como a sequência de imagens de banheiros, a escolha da indumentária e elementos cenográficos, ou ainda o de cantar sob o chuveiro com as toquinhas de banho, mas por hora, são só isso, achados. Uma pena.

Flávia Regina Marquetti

A Farsa do Advogado Pathelin (Grupo Rosa dos Ventos - Presidente Prudente/SP)

2010-06-19T13:11:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Maistre Pierre Pathelin é uma farsa que remonta às festas dos bufões e dos agressivamente chistosos menestréis, encenada pela primeira vez em 1465 ela ainda guarda toda a vitalidade, sobretudo quando o Grupo Rosa dos Ventos empresta-lhe toda a sua garra.
Como nas feiras de Ruão, o fio condutor dos atores é a história do Mestre Pierre Pathelin, um advogada charlatão, que vem recheada de piadas e brincadeiras grosseiras (bem no espírito das farsas da Idade Média), canções, técnica circense, música ao vivo (destaque para a “banda” composta por um elemento, Robson Toma, que confere todo um colorido à ação), além de muita energia e irreverência de todo o grupo.
No espetáculo da Praça Pedro de Toledo, a criatividade e a presença de espírito dos participantes ficaram evidentes, graças à intervenção de um andarilho, que tentou roubar a cena, mas foi batido pelo quarteto. Essa espirituosidade é imprescindível para a realização de espetáculos em praça, sem ela todo o projeto naufraga, o que é claro não ocorre com o Grupo Rosa dos ventos.
O Grupo, divertido e muito à vontade, foi um espetáculo já na passagem de som, sorte de quem chegou cedo e pegou a “primeira parte” desse improvisado espetáculo. O cenário, os figurinos e maquilagem dão o arremate nesta gostosa farsa, tudo aparentemente muito simples, mas de funcionalidade perfeita para a condução da peça e para o riso da platéia.
Para os que viram o Grupo Galpão, ontem, e o Grupo Rosa dos Ventos, hoje, pode se considerar um felizardo, pois em menos de 48 horas pode experimentar as delícias do teatro da Idade Média, sem os seus riscos. Estéticas bem diferentes, que mantiveram nos espetáculos a essência das propostas Medievais, ao mesmo tempo, que as contextualizaram para o público de hoje.

Flávia Regina Marquetti

è.Change (Ditirambo - Araraquara / SP)

2010-06-19T02:28:00.000-03:00

è.change
O segundo espetáculo da noite de abertura da Semana Luiz Antônio, è.change, da Ditirambo Cia de Dança Contemporânea, trouxe uma homenagem à diretora, bailarina e coreógrafa Pina Bausch, com forte referência ao Cabaret Müller, propõe uma reflexão sobre as “trocas” afetivas.
Estreiando o espetáculo na Semana, a Ditirambo, mostra a busca por uma linguagem corporal que expresse as novas relações do homem, aliando a esta um texto didático/explicativo sobre as novas propostas de relacionamentos.
Sem o amadurecimento que o espetáculo deve atingir, a Ditirambo, esboça algumas ousadias, mas ainda sem a convicção do gesto profundamente refletido, como quando os bailarinos exploram o obsceno, muito sutil, ficando a meio termo entre o choque e o aceitável.
Talvez uma boa dose de humor e fina ironia contribua para que o espetáculo ganhe o ar contemporâneo buscado pela Ditirambo, pois como muito bem falou o prof. Jorge Coli, em sua palestra no Território da Arte, uma das grantes propostas da arte comtemporânea é a frivolidade, o não se levar a sério a arte, ela, como todo o resto (e aí entra a proposta dos relacionamentos modernos) é ganho, está ligada ao mercado. O texto lido durante a apresentação explora exatamente isso, mas faltou essa frivolidade no trato dos corpos, ainda muito sérios e crentes na transcendência dessa arte.
è.change tem um belo caminho à sua frente e tenho certeza que o espetáculo ainda vai crescer muito.

Flávia Regina Marquetti

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Till, a saga de um herói torto (Grupo Galpão - Belo Horizonte)

2010-06-19T02:26:00.000-03:00

Foto: Fabricio Guerreiro/Assesoria

Till em terras de Macunaíma

A Semana Luiz Antônio começou com o brilho que só os que amam o teatro podem conferir, Till, a saga de um herói torto, do Grupo Galpão de Belo Horizonte foi uma apresentação irretocável, divertida e que trouxe para a praça todas as “estrepolias” de um mundo Medieval com sabor de Brasil.
O universo do Teatro Medieval, com suas Farsas e Moralidades é a base para Till, numa disputa entre Deus e o Diabo, bem ao sabor do medievo, o zombeteiro Till (tradução literal de Eulenspiegel) surge como “marionete” ou palco para disputa entre esses dois grandes poderes.
Mas porque encenar hoje uma peça Medieval?
Ficou bastante evidente aos que assistiram ao espetáculo ontem que o Grupo Galpão se fez esta pergunta e achou não uma, mas várias respostas para a questão. Num mundo de trapaças e falcatruas, de espertalhões e aproveitadores só o riso, a ironia pode realinhar uma rota que parece perdida. O universo de Till nos é muito próximo, nos faz lembrar de Macunaíma e nos oferece um espelho onde vemos retratada a malandragem tão cara ao nosso teatro desde Pena até Osvald e Luiz Antônio e, ao mesmo tempo, um lirismo e delicadeza só perceptível no Grande Teatro, aquele que, independente da estética, nos revela o que há de mais importante no homem, a poesia, o sonho. Destaque nesse sentido para o delicioso trio de mendigos cegos da peça, alegoria do próprio ser humano e suas cisões.
Mesclando as linguagens presentes no Teatro Popular, com seu humor simples e jogos com o público, e no Teatro Medieval, com seu tom narrativo e didático, que mais tarde Brecht vai reutilizar, o uso de recursos cênicos como alçapões, bombas de fumaça, a presença sedutora do Diabo em cena e a respeitosa ausência de Deus e outros efeitos teatrais bem ao sabor do período, o Grupo Galpão apresenta uma releitura de Till, que guarda o sabor do teatro religioso medieval, mas com um tempero bem nosso, de nossos ditos e referências modernas.
As músicas, tocadas em cena pelos integrantes, a agilidade e colorido do espetáculo, o uso de um cenário, iluminação, maquilagem e indumentárias magistralmente escolhidos e de uma funcionalidade cênica característica do Galpão, aliada a interpretações magníficas, nos transportaram no tempo, para as grandes festas religosas realizadas nas praças da Idade Média, mas também nos fizeram refletir sobre quão pequena é a distância entre Till e sua falta de consciência e o homem moderno.
Como as Moralidade, Till deixa uma mensagem sobre o homem e sua possível transformação, mas acima de tudo nos deixa a crença na Arte, no Sonho, no Teatro como expressão do que há de melhor no Homem.

Flávia Regina Marquetti

2010-06-12T10:48:00.000-03:00

EnCaNtAções

“De todas as glórias, a menos enganadora é a que se vive.
O Ator escolheu, pois, a glória inumerável, a que se consagra e que se experimenta.”
A. Camus, A Comédia.

Ao abrir este espaço para discussão do fazer teatral, sinto um enorme prazer e responsabilidade, prazer, claro, em dividir com todos os que amam o teatro as experiências vividas com as apresentações que farão parte desta 22ª Semana Luiz Antônio; responsabilidade por “encarnar” a mediadora entre os sonhos dos primeiros realizadores da Semana Luiz Antônio e seu público atual.
Para aqueles que não conhecem a história da Semana Luiz Antônio Martinez Corrêa talvez este pareça ser apenas mais um evento cultural de nossa cidade, mas a SLAMC é muito mais, ela foi o ponto de partida para a criação de uma associação, sem fins lucrativos e a partidária, dos artistas e produtores de artes em Araraquara, APAU de Arara, que lutou por mais de dez anos por uma proposta cultural para a cidade, além da reabertura do Teatro Municipal, fechado na época, a criação de cursos voltados para as artes e o fazer teatral que capacitassem seus profissionais e, ainda, que se respeitasse o nome do patrono da Casa da Cultura, Luiz Antônio Martinez Corrêa.
Ao longo desses anos, a realização da Semana Luiz Antônio contou com o empenho e a arte de muitos, artistas ou não, profissionais e técnicos das mais diversas áreas que unidos promovem um encontro cheio de Encanto e cuja Ação tem a Arte como ponto de partida e de chegada. E é a esses personagens todos, reais ou fictícios, que nasceram e desapareceram nas praças, bairros, tablados e palcos, alimentados pela carne, sangue e alma de atores ilustres ou não, que eu venho reverenciar, pois se a luta foi feita por homens, o veículo sempre foi a glória fugaz de um gesto perfeito que morre no momento seguinte, restando quando muito uma foto, petrificando a emoção.
Falar do efêmero, esta é a minha tarefa neste blog. Discutir um espetáculo teatral é tentar apreender o fugidio, não é falar de um texto impresso, de uma cena que se pode voltar com o auxílio da tecnologia, é, ao contrário, chamar a atenção para o momento de beleza e arrebatamento que só os grandes espetáculos conseguem. Grande é entendido aqui como toda obra teatral que no momento exato de sua realização consegue apanhar a nossa consciência e faze-la lançar um olhar sobre si mesma, sobre sua condição humana, transformando-a.
Convido a todos a exercitarem os sentidos e a razão nessa captura do fugidio.
A todos os que sempre tornaram possível a realização da Semana Luiz Antônio...

EVOÉ!

E uma Semana com muita Lu(i)z !

Flávia Marquetti

blog da semana - prólogo

2010-06-08T17:46:00.001-03:00

A XXII Semana Luiz Antônio Martinez Corrêa - Festival de Teatro apresenta seu blog. A organização convidou a professora Dra. Flávia Regina Marquetti para coordenação de um trabalho de crítica e reflexão sobre os espetáculos apresentados, com resenhas que alimentam diariamente o blog, transformando-o num canal de debates sobre processos criativos nas artes cênicas.

Dra. Flávia Regina Marquetti - Formada em Letras pela Faculdade de Ciências e Letras – UNESP deAraraquara, com Mestrado, Doutorado e Pós-Doutorado em Estudos Literários, também pela UNESP; Pós-Doutorado pela UNICAMP, junto ao Núcleo de Estudos Estratégicos – área de História Antiga. Professora de Grego Clássico, Literatura Brasileira, Teoria da Literatura e Semiótica; no Curso Técnico em Arte Dramática do SENAC ministra as disciplinas de História do Teatro e Teatro Brasileiro; membro do Grupo de Leitura Dramática de textos Clássicos Giz-en-Scène, desde 1987 e do Grupo de Teatro Jatubá, 1986-1999, sob direção de Lauro Monteiro.

Partipe deste forum de ideias e comente suas impressões sobre os espetáculos do Festival. Encante-se nesses cruzamentos!