Esta é a primeira vez que participo deste acontecimento cultural que chega agora à sua 23ª edição: Semana Luiz Antonio Martinez Corrêa. Essa maratona - mais de 20 espetáculos de teatro, exposições, mesa redonda, cafés de investigação, shows de música, ao longo de 10 dias – só vem confirmar a vocação teatral de Araraquara. Agradeço o convite da Euzânia, do Jorge e as boas vindas da Flávia, grato, grato, muito grato... Exercitar meu olhar, minha atenção e minha capacidade de traduzir o que eu assisti nesses dez dias só me fez aprender mais... Com uma alegria e um prazer que há muito não experimentava.
Conheci o Luiz Antônio em 1967 durante a apresentação do show de calouros (Bishow) no antigo Centro Acadêmico Faculdade de Filosofia Ciências e Letras (hoje Casa da Cultura que tem seu nome). Naquela noite o Luiz me convidou para integrar o TECO (Teatro de Colégio) que nesse mesmo ano transformamos em TUA (Teatro Universitário de Araraquara). Durante cinco anos, dirigido por ele, o TUA foi o manifesto vivo da nossa rebeldia. Palco de uma história que fico feliz de compartilhar com os novos e os jovens amigos que agora fiz. Obrigado Luiz...
Eduardo Montagnari (Tatoo)
terça-feira, 28 de junho de 2011
segunda-feira, 27 de junho de 2011
OLHOS NOS OLHOS COM BIA E LARISSA
Vocês têm razão, meninas, a 23ª SLAMC foi bastante diversificada, como deve ser um festival que se propõe apresentar e discutir essa ampla esfera que é o fazer teatral. Pois é a partir dessa diversidade de formas, espaços, estéticas, temas que nós construímos um olhar crítico. É bom ver aquilo a que já nos habituamos, mas também o novo, o estranho o ousado, experimentar é a base de tudo, tanto para o ator/diretor, quanto para o espectador. E poder voltar a ser criança é um prazer que a gente sempre deve se proporcionar.
Flávia Marquetti
domingo, 26 de junho de 2011
O OLHAR SONORO DO BATE LATA
O último dia da 23ª SLAMC teve o espetáculo Bate Lata e Vira Lata, da Cia Tárcio Costa, também de Araraquara. Desculpa aí Tárcio, eu postei, na onda do povo, que o Chá das Duas era a única peça da cidade e esqueci de você.
A Cia, mesmo com o frio e o vento, esquentou a platéia, sempre muito divertidos, brincando com o público adulto e infantil, fizeram o show. Mesclando música e, digamos, esquetes teatrais, o Bate Late apresenta uma proposta lúdica e educativa (como em outros trabalhos) que visa despertar a consciência ecológica ao utilizar, além dos instrumentos musicais tradicionais, sucatas para fazer som... e som de boa qualidade, que fez o público infantil dançar, rir e o adulto também, por sinal, os adultos sempre aproveitam a desculpa de levar as crianças para se esbaldarem nas peças, foi assim no Gato Malhado (que teve marmanjo chorando de rir na platéia), e hoje, com o Bate Late, com direito a participação especial no espetáculo.
Não posso deixar de chamar a atenção para a simpática indumentária do grupo, sobretudo a camiseta... com as claves de sol e de fá formando um coração. Amor pelo teatro, pela música! Nada mais adequado para o encerramento da semana. Agora é esperar a 24ª... já bateu saudades.
Deixo aqui o meu mais sincero agradecimento a todos os atores, diretores, produtores, iluminadores, contra regras, enfim, todos que transmutam sonho em “realidade” no palco e, apesar de todas as dificuldades, encaram a estrada e fazem o mundo ser mais HUMANO, trazendo olhares coloridos e diferentes para o cotidiano cinza da cidade. Não é à toa que, desde o surgimento da primeira trupe de teatro, eles têm passagem livre por todo o mundo, mesmo em períodos de guerra. Valeu! Evoé, embaixadores da vida!!!
Flávia Marquetti
BATE LATA E VIRA LATA
Eu poderia desfiar um rosário de bons adjetivos para expressar a qualidade do trabalho da Cia Tárcio Costa. Eu já tinha ficado encantado com o que tinha visto em vídeo. Pensei na ocasião em como Araraquara tem sorte de poder contar com um trabalho como o que Tárcio Costa conduz.
Durante muito tempo colaborei na seleção de espetáculos para o Festival Nacional de Teatro Infantil de Blumenau... Ainda que muita coisa, bons grupos, bons artistas, boa dramaturgia, grandes direções circulem pelo universo disso que chamamos teatro infantil, não são exatamente bons trabalhos que alimentam o comum desse teatro. Tárcio Costa tem luz própria nesse universo.
Inteligente. Muito inteligente. Sensível. Muito sensível. Criativo. Muito criativo. Interativo. Muito interativo... Tudo isso e muito mais desenha o perfil do Bate Lata e Vira Lata que vimos esta tarde. Três músicos/atores puderam demonstrar com habilidade a máxima de Bertolt Brecht de que falamos no início da Semana Luiz Antônio: a de “há muitos objetos em um só objeto”, inclusive sonoros, musicais... Baldes, garrafas, chinelos são objetos que o talento de Tárcio Costa transformou em instrumentos musicais com a colaboração de Raquel Nascimento e Luiz Carlos Ferreira (músicos/atores).
Direção, texto e canções eficientes... Certamente que ao ar livre apresentação do grupo é diferente de uma apresentação em um palco de teatro. Mas, nem por isso menor... Ficamos sem a iluminação de Rodrigo de Prince (que estava no som, creio), mas em cena estavam as cores dos figurinos de Marilaine de Souza... Vale dizer ainda, que o empenho dos atores numa tarde que nos brindava com um vento frio, foi louvável (tanto quanto a permanência do público). Assim, ali na pequena Praça do Daae, as crianças e adultos presentes puderam descobrir participando, experimentando e brincando, que em tudo existe música... Porque música se faz com tudo.
Eduardo Montagnari
CASA / CABUL: um espetáculo grandioso e moroso
Fotos: Lívia Cabrera
“Uma dona de casa inglesa expõe detalhes de sua vida e seu fascínio pela beleza do exótico Afeganistão ao ler um guia de viagem antigo. Nessa jornada por montanhas, desertos e cidades esquecidas, ela arrasta atrás de si seu marido e sua filha, provocando o encontro com a delicadeza e coragem da alma afegã. Casa / Cabul trata, entre outras coisas, de jornadas. A jornada de uma dona de casa em direção à sua mítica, sonhada e simbólica Cabul. A jornada de uma bibliotecária afegã em direção à cultura ocidental. A jornada de uma filha em direção à sua mãe. A jornada de todos nós em direção em direção ao Outro, tão diferente de nós embora, ainda assim, tão parecido. Uma multiplicidade de pontos de vista, que expõe a riqueza e complexidade do mundo em que vivemos, onde não há mais santos ou vilões”.
Essa é a informação que o público dispunha para assistir Casa / Cabul que aconteceu neste sábado. Depois de algumas encenações que romperam com a tradicional relação palco platéia (ou pelo menos com a chamada “quarta parede”), a Semana Luiz Antonio recebeu um espetáculo de abrir e fechar cortinas, de dois atos e quase três horas de duração. E considerando a grandeza do que foi levado ao palco do Municipal é lamentável que o “Núcleo Experimental de Teatro” não tenha se preocupado em oferecer material (um programa) com informações que pudessem aproximar seu grandioso espetáculo de um público que depois do intervalo, desinteressado, acabou em boa parte desistindo de acompanhar o desenvolvimento moroso do drama encenado.
O teatro não pode e nem deve se curvar à rapidez com a qual nosso mundo determina como tudo deve se processar. Seu tempo é outro. Mas esse também é um dado que não livra uma direção e um elenco de emprestarem ao seu trabalho um ritmo que o torne mais prazeroso, cortando, adaptando e reorganizando cenas, uma vez que teatro não é o que se lê, mas o que se encena.
Casa / Cabul, do meu ponto de vista, tinha tudo nas mãos para ser algo bem maior que a incômoda sensação de frustração que o espetáculo apresentado deixou. A qualidade das vozes projetadas, que podiam ser escutadas em qualquer canto do teatro, a riqueza do cenário, dos adereços, a beleza da iluminação, dos figurinos... Tudo grandioso e belo. A riqueza dos detalhes e a complexidade de um texto elogiado. O cuidado de recorrer a assessorias sobre questões como cultura, história, línguas, etnias, comportamentos. A presença de um diretor de peso, como é Zé Henrique de Paula, de bons atores (em sua maioria)... Tudo isso se via e também se via um espetáculo que não acontecia.
Por ironia, o mais encantador e curioso, além da sonoplastia, ficou por conta do trabalho de contra-regra executado por um elenco que mostrava que a dinâmica do espetáculo bem que podia ser outra. Foram os grandes momentos da encenação onde tudo se transformava com grandeza, leveza e beleza quase mágicas para, uma vez restabelecida, a cena voltar a se arrastar... E nesse andamento nem em seus momentos mais dramáticos o espetáculo comoveu um público cuja maioria saiu do teatro sem entender muito bem o porquê (as razões) do que viu.
Eduardo Montagnari
O OLHAR EXÓTICO DE CASA/CABUL
Fotos: Lívia Cabrera
A apresentação de Casa/Cabul trouxe para a 23ª Semana Luiz Antônio um olhar sobre as diferenças culturais que marcam o Ocidente do Oriente Médio, sobretudo o mulçumano, mas com uma reflexão bastante interessante: a de quanto a aparente "liberdade" Ocidental, sobretudo a feminina, encontra-se esvaziada de sentido, assim como a vida da classe média.
É interessante o jogo espectral estabelecido entre a dona de casa inglesa e a bibliotecária afegã. Ambas profundamente insatisfeitas em seus relacionamentos, em sua condição de mulher, em suas vidas sociais e ambas corajosamente prontas a reverter este quadro. A inglesa sonha com o universo mítico de uma Cabul, no qual as relações não são feitas de aparência, marcada (historicamente) por lutas e conquistas. A fala da filha, já no Afeganistão, resume tudo: país no qual as pessoas que se odeiam se matam.
Destaque para o “divertido monólogo” inicial da peça no qual a inglesa alterna suas frustrações pessoais, familiares e sociais às informações obtidas em um antigo guia turístico sobre Cabul (com mais de 30 anos), enfatizando as guerras travadas no território, do hoje Afeganistão, ao longo dos séculos. A correlação estabelecida aí vai se mostrar ainda mais intensa quando, ao desenrolar-se a trama, se descobre que ela fugiu para Cabul e tornou-se esposa de um mulçumano, convertendo-se ao islamismo. Hipótese absurda para seu marido, filha e grupo social.
Em contrapartida, a afegã, mulçumana, sonha com a liberdade de expressão, deseja ardentemente poder voltar a ler livros, já que só lhe é permitida a leitura do Corão. Não sem humor, a peça faz essas duas mulheres trocarem de país, religião e maridos, convidando-nos a refletir sobre os valores impostos a cada um e a nos questionar: o que é realmente importante em nossas vidas?! As respostas podem ser bastante diversas, opostas até. Outra reflexão fundamental é sobre a noção de liberdade no Ocidente, seria realmente liberdade?!
Com interpretações muito boas, um cenário que se transformava ora na Londres moderna, ora na cidade de Cabul e uma luz muito bem desenhada, o Núcleo Experimental de Teatro, de São Paulo, resgatou o formato do teatro tradicional, o público sentado na platéia, os atores no palco, o que causou a alegria de alguns, com saudades do bom teatro convencional, sem espaços e dramaturgias alternativos. O único se não é o tempo do espetáculo, 150 min. Alguns cortes poderiam tornar a peça mais ágil e intensa, mas é sem dúvida um belo espetáculo.
Flávia Marquetti
UM BRAVO OLHAR DA BRAVA CIA
Fotos: Lívia Cabrera
A apresentação da Brava Cia, de São Paulo, tomou de assalto as ruas de Araraquara com o “espetáculo”: Este lado para cima – Isto não é um espetáculo. Com uma indumentária, que traz em si o próprio cenário ... ou seria o contrário?! Seja como for, o cenário/indumentária era composto por roupas que me lembraram uma mistura do esfarrapado exército de Brancaleone, rumo à libertação do Santo Sepulcro na Pré-Cruzada, a um Mad Max. O que a princípio pareciam armas de ataque, se transformaram em equipamentos de som, bancos e muito mais.
O grupo contou a história desta e de todas as cidades, a história do homem e do capitalismo, com muito humor, irreverência, boas representações, música e interação com o público. Fazendo rir, mas também refletir sobre as relações políticas, econômicas e sociais vigentes, conclamando a todos a participar desta nova cruzada, libertar um outro sepulcro: o futuro do próprio homem.
Brecht ia amar! E nós todos, literalmente, nos juntamos ao ataque da Brava, que a cada apresentação arregimenta mais gente em sua marcha final, segundo um dos integrantes. Só quem esteve presente tem a dimensão da proposta, que não cabe em uma descrição. Bravo! Bravíssima!!!
Flávia Marquetti
sábado, 25 de junho de 2011
O AMOR QUE (NÃO) OUSA DIZER SEU NOME
A natureza épica do espetáculo da “Cia Filhos do Dr. Alfredo”, narrativo por excelência, convida o público a participar de uma quase conferência ilustrada sobre o tema encenado: a violência contra aqueles que têm uma orientação sexual diferente daquela que é considerada “normal”. A ponte entre o destino de encarcerado - que o conservadorismo britânico do final do século XIX reservou ao autor de “O retrato de Dorian Gray” - e excertos do conteúdo de depoimentos de parentes e pessoas ligadas às vítimas do Maníaco do Trianon, resultou em uma dramaturgia competente colocada em cena por uma direção eficiente como compete a um espetáculo que se propõe militante (e pedagógico, de certa forma) porque ousa dizer o nome do seu amor.
Mais uma vez (como em outros espetáculos que vimos nesta semana), o recurso utilizado foi levar a platéia para perto dos atores, no palco. O clima de intimidade se fez. Figurinos e adereços de cena (lixeiras, cadeiras, mesa, papéis, baú, televisão, tela) cumpriram junto com a atuação dos dois atores Alexandre Cruz e Marcelo Braga e do elenco em vídeo, uma tarefa não apenas estética, mas de informação e confirmação do que estava sendo demonstrado.
A estratégia de articular cenas dramáticas, textos narrativos e ilustrações de cenas de vídeo, criou um panorama favorável ao desenvolvimento do tema abordado. A troca em cena de elementos do figurino, o uso de cartazes, de fotografias, de um filme, completaram na medida o necessário para a realização de uma encenação engajada. Do meu ponto de vista, o traço que não chega a ser comprometedor, mas merecedor de uma revisão ficou por conta da necessidade aproximar a atuação de Marcelo Braga de um tom e de uma postura mais narrativa, épica. Quando o ator não se encontra investido dos seus papéis dramáticos, ele insiste em seguir representando, postura que seguidas vezes compromete o que o ator, não o personagem, está dizendo. E isso me parece importante porque o espetáculo tem muito a dizer!
Eduardo Montagnari
OLHOS NOS OLHOS COM ANALU PRESTES
Analu, nós, espectadores da 23ª SLAMC, é que agradecemos o belo espetáculo que vocês criaram e que pudemos assistir. Esperamos poder ver os próximos trabalhos. Sucesso... mais sucesso, a todos vocês.
Flávia Marquetti
OLHOS NOS OLHOS COM LARISSA
Oi Larissa, só agora vi a tua postagem para o espetáculo Aqueles Dois, realmente Caio F. Abreu é fantástico e os meninos da Luna Lunera não ficam atrás...o que nos deu um espetáculo inesquecível.
Flávia Marquetti
OLHOS NOS OLHOS COM ZÉ GUILHERME 2
Oi, Gui! Comentando tuas duas últimas postagens, acredito que uma das tônicas desta 23ª SLAMC é a delicadeza do olhar para situações ligadas ao preconceito e ao que realmente faz sentido na vida do ser humano, o afeto, o amor, a amizade. Por isso, os espetáculos primaram por este cuidado, pois é nos pequenos gestos, objetos, nos detalhes que se revela o humano e se encontra a grande arte do ator.
Flávia Marquetti
VALSA nº 6
Fotos: Lívia Cabrera
A Valsa nº 6 (escrita em 1951) é tradicionalmente um desafio para diretores e atrizes por se tratar de um monólgo a ser interpretado por uma atriz que deve cantar e tocar piano. Essas indicações, nem sempre obedecidas, como na presente montagem que celebra a criação da “Cia Labirinto”, originaram o traço mais significativo do grupo que veio da vizinha cidade de Matão: a não obediência às indicações de Nelson Rodrigues.
A desobediência da montagem é plena. Nada de piano branco ou de cortina vermelha... (vale lembrar que uma das atrizes cumpriu a parte referente ao canto, apresentando seu Villa Lobos com dignidade). Mas a maior, mais arriscada e atrevida desobediência é que ao invés de uma atriz, a montagem da “Cia Labirinto” escolheu distribuir as falas e ações da protagonista entre oito personagens, que fazem desde o velho médico tarado até a menina Sônia, passando pelas fofoqueiras e a intereção com o público.
Antes de ler o programa (finalmente um grupo entregando seu programa na porta do teatro) comentei que o principal traço do espetáculo era sua ousadia. Multiplicar Sônia foi realmente uma ousadia cênica de méritos mas também de comprometimentos. O maior destes, do meu ponto de vista, foi a criação de um palco “sujo” (carregado) que é reforçado pelas cores dos figurinos, as máscaras da maquiagem, o exagêro das interprtações e dos biombos cheios de adereços.
A iluminação teve seu tom menor no spot frontal, ingenuamente agressivo, voltado para os olhos do público. A decisão correta foi a de trazer a pláteia para o palco e levar o palco para a platéia. Uma decisão que acabou prejudicada pelas paredes laterais da platéia abarrotadas de informações que passaram a fazer parte e a comprometerem o cenário original. Num palco tudo é signo. Tudo significa, tudo informa, inclusive tatuagens... Carregar a cena, sujar o branco recomendado, reduzir o vermelho apenas para os sutiens, foi intencional, mas teve um preço... Nelson já sombrio e carregado em si mesmo, ultrapassou, com a “Cia Labirinto”, o limite do seu próprio exagêro.
Há que se ressaltar, por fim, a sonoplastia, o uso ágil dos biombos e boas marcações (lembro a impressão causada pelos oito atores formando quatro personagens de cabeças para baixo). Por essas razões, segundo meu olhar, a movimentação eficiente do jovem elenco da nova “Cia Labirinto” não logrou desviar a Valsa nº 6 dos tradicionais excessos que acompanham as montagens quando se trata de encenar Nelson Rodriguês. Em especial pelo exagero de personagens que antes gritam do que falam.
Eduardo Montagnari
UM OLHAR MARCADO POR OUTROS OLHARES: AMOR QUE NÃO OUSA DIZER SEU NOME
A Cia Filhos de Alfredo trouxe ao palco do Teatro Municipal olhares antagônicos, mesclando os assassinatos cometidos pelo maníaco do Trianon e o julgamento de Oscar Wilde à omissão e vergonha dos familiares dos homossexuais assassinados juntamente com a condenação de Wilde, pela sociedade inglesa.
A inclusão de Oscar Wilde no cenário teatral atual é bastante oportuna, pois, só agora em pleno século XXI (2011), “O retrato de Dorian Gray”, romance datado de 1890, foi publicado sem cortes. E mais oportuna ainda foi a correlação estabelecida entre a violência cometida pelo maníaco do Trianon sobre suas vítimas com a violência que estes sofreram de seus próprios familiares, que envergonhados pela condição homossexual das mesmas, não se empenharam em lhes fazer justiça, muitas vezes barrando as investigações.
Alternando vídeos com “depoimentos” sobre os assassinatos, textos de cartas de Wilde a seu amante, cenas ligadas aos inquéritos policiais no Brasil e do julgamento em Londres, os dois atores da Cia revezaram-se em diversos papéis, com atuações seguras e bem construídas. O palco, com alguns objetos em cena, ora ligados a Wilde ora aos inquéritos policiais, ganha contornos e limites com uma iluminação precisa e bela, que alterna tons quentes (laranja e vermelho) a frios (azul), pontuando os espaços e os séculos que os separam: Londres (1895) e São Paulo (1980), mas aproximando-os no mesmo preconceito, incompreensão... na mesma cena.
Flávia Marquetti
UM OLHAR ARROJADO SOBRE VALSA Nº6
Fotos: Lívia Cabrera
Usando uma indumentária bastante interessante, que mescla o vestido branco da jovem de 15 anos, na parte inferior, com sutiãs retrô (primeiro branco e depois vermelho) na superior, o grupo buscou fundir o público/social e o íntimo na imagem de Sônia; aliando ao branco pérola e ao vermelho, o figurino negro dos demais atores, que surgem como figuras espectrais e dominadoras: a Mãe, o Pai, o Doutor, os Vizinhos (tão caros ao autor).
O cenário, composto apenas de biombos móveis, recobertos de fotos e algumas peças de roupa, contribuiu para criar a sobreposição de imagens que ocorrem à lembrança da personagem e se embaralham ao longo do texto, solução eficaz e simples. O tom histérico conferido ao personagem pede um pouco mais de estudo, não da proposta, mas de como levá-la à cena, lapidação nas tonalidades de voz e movimento, que poderiam enriquecer as interpretações, mas que no todo, conseguiram nos inserir no universo atormentado de Sônia, repleto de vozes e olhares.
Um problema enfrentado pelo grupo, ao usar o Teatro Wallace, foi a decoração das paredes na platéia, que pedia um pano negro para não interferir na cena, uma vez que os locais habituais: palco e platéia, foram invertidos.
Flávia Marquetti
sexta-feira, 24 de junho de 2011
Sonhos para vestir
Fotos: Lívia Cabrera
Quem disse que viver é melhor que sonhar? Ontem, vestido de sonhos adormeci tecido de palavras. VIVER É COMO SONHAR. Essa sensação retorna quando vejo Sara Antunes rodando a leveza de seu corpo e a delicadeza de suas perguntas... O céu de estrelas bordadas de palavras... A cama, o lençol, o carretel, a linha, as taças, a jarra, a água, um chá e dois cafés... A música. Ah, a música! Ontem havia música, dança e um vestido de vestidos. Uma caixa prateada, a roupinha de criança e uma parede de lembranças... Uma barriga de lembranças. A mãe, a mesma que deu Negrinha à luz que não era mais de velas... Luzes de pequenas lâmpadas embrulhadas em algodão bordado de palavras. A interpretação e a direção eram outras. Eram outras as mãos que teceram Sonhos para Vestir. Vera Holtz. Analu Prestes. Paulo Cesar Medeiros. Kabila Aruanda. Daniel Valentini. Mary Kunha e Sara Antunes dançando seu vestido de vestidos... Ontem Sara Antunes rodou perguntas tecendo histórias... Palavras, palavras, palavras... Que palavra eu escolheria para o espetáculo de ontem? Inefável.
Eduardo Montagnari
UM OLHAR TECIDO EM SONHOS ... PARA VESTIR
Fotos: Lívia Cabrera
Sara Antunes, que já nos havia encantado ontem com Negrinha, hoje nos levou ao mais delicado arranjo de lembranças, desejos e hipóteses construído de/sobre palavras. Interagindo com o público e tecendo a partir desta intervenção toda a “dramaturgia” do espetáculo, Sara demonstra, como já o havia feito no espetáculo anterior, um domínio absoluto sobre este difícil e arriscado jogo. Como nos antigos desenhos para bordar, ela preenche, a partir de um contorno delineado, todo o espetáculo.
O texto, como a cenografia e o figurino, explora as transparências, deixando ver siluetas de encontros e despedidas. Em cena a iluminação feita por pequenas lâmpadas encapadas por tecidos bordados desenha sombras e lembranças. Momento mágico é o do primeiro vestido tecido pela mãe, com o qual a personagem, já adulta, se cobre, vestindo-o pela cabeça – parto às avessas – o desejo de retornar a infância, a um tempo de ilusões e alegrias. Como em um passe de mágica, a criança se faz mulher, o pequeno vestido se transforma em véu nupcial, cobrindo seus cabelos e ligando dois momentos diversos: o agora ao início da peça quando, com o auxílio de alguém da platéia, ela se desvela para a noite de núpcias, desenrolando uma fita dourada que traz presa à cintura. Fundindo filha, esposa e mãe, a um só tempo todos esses papéis femininos estão ali presentes.
Não é sem intenção que o primeiro vestido está em uma grande caixa prateada, que a personagem acaba por ocupar, como o vestido, ela é um presente, e aqui a ambiguidade das palavras ganha valor redobrado: presente/mimo e presente/momento atual, ambos confrontando-se com o passado e as lembranças. O magnífico painel bordado, que é, também, desvelado ao final da peça, ecoa na pequena e frágil boneca de papel “presa”, suspensa em um cubo transparente, símbolos desta delicadeza, desta feminilidade, capturada pelo e no tempo.
A peça, riquíssima de elementos femininos, como a jarra, a bacia e a caixa de prata, a água, os tecidos e os véus, recorta e insinua esse universo sinuoso e circular no qual vida e morte se confundem, oferecendo outro ângulo para se ver/pensar o mundo. A palavra poética de Sara Antunes, somada ao cenário mágico de Analu Prestes e à direção delicada de Vera Holtz confirma a veracidade da frase de Guimarães Rosa: “todo abismo é navegável a barquinhos de papel”.
Flávia Marquetti
UM OLHAR CHEIO DE GRAÇA: O GATO MALHADO E A ANDORINHA SINHÁ
Fotos: Lívia Cabrera
O Grupo 59 trouxe uma deliciosa montagem para as crianças da 23ª SLAMC, mesclando música, dança e textos, todos com ótimas interpretações. O jovem grupo de São Paulo fez a alegria dos pequenos (e dos grandes), que se encantaram com as estripulias em torno de diversos animais surpreendidos pelo amor de um gato por uma andorinha. O trabalho de corpo é um dos destaques, como o saltitante sapo e a irrequieta andorinha, contando ainda com vozes muito afinadas no canto e expressivas sonoridades “imitando” os animais, os atores criaram um verdadeiro universo mágico, praticamente sem cenário, com indumentária simples, mas muito criativa, com alguns poucos instrumentos musicais, que pontuavam certos momentos ou serviam de acompanhamento para as canções, mostrando explicitamente as transformações e o revezamento dos atores nos diversos papéis, o Grupo 59 demonstrou segurança e muito entrosamento. Ao final, o bônus, segundo os integrantes, apresentado em forma de canção, fez o público sair ainda mais risonho e feliz. Ótima maneira de criar, nas crianças, o gosto pelo teatro.
Flávia Marquetti
quinta-feira, 23 de junho de 2011
OLHOS NOS OLHOS COM ZÉ GUILHERME
Oi, Gui! Respondendo às suas duas postagens: a referente ao espetáculo da Sara Antunes e a da Cia dos Pés. Embora as propostas sejam completamente diversas, ambos trazem um ponto em comum: a fragmentação do texto que, para alguns, não se configuraria em uma “verdadeira dramaturgia”. No caso do Casca de Nós, em virtude do espaço utilizado, a fragmentação é ainda maior do que em Negrinha. Mas essa proposta contemporânea de estilhaçar o texto e não oferecer uma estrutura dramatúrgica nos moldes convencionais, digamos... com começo, meio e fim evidentes, tem como prerrogativa forçar o espectador a sair de sua costumeira passividade diante da encenação. Toda obra de arte, que busca uma linguagem nova, visa uma reação/reflexão do público, o formato escolhido para cada espetáculo, se lírico, delicado, poético ou agressivo (que não foi o caso dos dois em questão) vai do grupo e mesmo o grau dessa fragmentação também pode variar, em Aqueles Dois, da Cia Luna Lunera, também houve fragmentação, inclusive na representação dos personagens (4 atores se revezando para interpretar 2 personagens), escolhas e criações que exigem, sempre, um domínio absoluto da encenação, pois devido à fragmentação do texto, o ator tem que ser excepcionalmente bom e nós tivemos o prazer de ver isso em todos esses espetáculo. Evoé!!! Filhos de Dioniso, vocês nos encantam.
Flávia Marquetti
FONTAINEBLEU
Fotos: Lívia Cabrera
A apresentação da Cia Tan-Tan trouxe para o Teatro Municipal, um espetáculo de clowns que por 50 minutos buscou divertir o público que ali esteve presente. O “não sentido”, como é comum às apresentações do gênero, predomina numa encenação construída de movimentos, gestos e palavras em que o abuso “do francês” se transforma em mote para a maioria das brincadeiras que formam o jogo cênico armado entre os atores Paulo, Pínio e Juliana que se transformam nos Palhaços Néio e Feno e na Palhaça Flóris que assumem os papéis De Claude Monéio, Auguste Fenoir e Fina Arbre.
Essa superposição de papéis, cuja linha divisória que de tão tênue se torna imperceptível se desenvolve em meio a um cenário delicado, reforçado por uma sutil, eficiente e poética iluminação, com adereços adequados e um belo figurino de clowns. O “visual” é sem sombra de dúvidas o ponto alto de uma encenação que não logra alcançar o mesmo brilho quando se trata de pensar em sua fábula. Esta nos é apresentada por meio de falas, gestos, expressões corporais e brincadeiras cuja recorrência chegou até mesmo a provocar certo tédio que - quem sabe – se deve à concorrência de um público não muito expressivo!
NEGRINHA
Danielle Aquino
E existe um povo que a bandeira empresta/Pra cobrir tanta infâmia e cobardia!
Esses versos que iniciam as três estrofes finais de “Navio Negreiro”, do poeta Castro Alves, é a citação que encerra a “poética, lúdica, cruel e apavorante” encenação de Negrinha cuja dramaturgia, calcada na situação de miséria e abandono a que foram relegados os escravos após a assinatura da Lei Áurea, teve como inspiração o conto homônimo de Monteiro Lobato, escrito em 1920.
O espetáculo, que faz jus ao texto que o apresenta (e que se encontra impresso no programa da Semana Luiz Antonio), resultou em uma encenação conduzida com maestria pela direção de Luiz Fernando Marques e pela atuação primorosa, expressiva e eficiente de Sara Antunes, que também é a autora das falas que representa e diz.
O belo resultado da arte e do figurino assinados por Renato Bolelli Rebouças emprestaram o clima final e os contornos que transformaram a sala de bailes do antigo Clube Araraquarense em cômodos de uma verdadeira Casa Grande e sua Senzala. E foi ali naquele espaço impregnado de histórias, que ontem Negrinha nos transportou para interior das sombras da memória de um mundo tenso, confuso e intenso de pensamentos e espantos, visuais, sonoros e sensoriais... Enfim, para dentro de nós e das marcas violentas que nossa História insiste em cobrir.
Eduardo Montagnari
O OLHAR SINESTÉSICO DE NEGRINHA
Fotos: Danielle Aquino
Optando por um espaço alternativo, o salão do Palacete das Rosas e distribuindo o público por todo o espaço (sentados em cadeiras no alto, em pequenas arquibancadas e cubos), alternando-o com móveis antigos, objetos cênicos, cortinas e iluminando tudo apenas com a luz de poucas velas, Sara Antunes, com uma representação impecável, nos fez transitar entre a casa grande e a senzala, com direito a vasculhar o porão ou baú de lembranças da escravidão, ora na mente da pequena Negrinha ora na dos senhores.
Após a acomodação do público, a escuridão... e o som de grãos que caem em uma vasilha de metal, mas que também sugerem galhos que batem na vidraça com o vento... ilusão dos sentidos que perdurará por toda a peça. Os grãos, que poucos de nós realmente vêem, são descritos como pretos (feijão), brancos (canjica) e amarelos (milho), que se destinam ora ao homem ora aos animais, tudo muito simples, aparentemente, apenas um trabalho doméstico da menina Negrinha, mas que se revela a primeira separação/segregação pela cor. O jogo com as cores se repetirá, com o auxílio do público, ao longo de toda peça, dando sempre a idéia de uma brincadeira, mas que constrói uma rede de “desconforto”, pois acertar (ou não) a cor de algo é arbitrário.
A própria atriz, com a iluminação das velas, ganha tonalidades diversas, do branco ao pardo e mesmo o negro, ao colocar o corpo na total penumbra, demonstrando que a cor depende do ângulo que se olha o objeto. Não sem malícia o texto nomeia àquela que criou Negrinha de Áurea Cândida, aludindo à cor (branco), mas também à Lei Áurea (que embora tenha libertado os escravos, jogou-os na mais absoluta miséria e marginalidade) e a uma ingenuidade/pureza que não condiz com a personagem, proprietária da casa de açúcar, outra ambiguidade deliciosa, pois sobrepõe o branco/doce do produto da cana ao branco/cruel da casa grande e dos senhores de engenho. Quem conhece o conto de Monteiro Lobato, no qual o texto da peça foi baseado, sabe o quão terrível é a figura dessa senhora de escravos e a que castigos absurdos ela submete a pequena negrinha.
Vale destacar ainda o efeito magistral que é conseguido com a queima de uma palha de aço, colocada em moldura dourada, para representar o debandar dos negros pelas montanhas após a libertação. Consumida irregularmente, a palha de aço desenha caminhos iluminados por tochas, mas, como tudo na peça, a bela imagem é também ambígua, pois remete à pintura e à visão/versão dada pela classe branca dominante ao fato histórico em questão.
Sintetizando o abandono, o desprezo, a solidão de todo um povo, o monólogo denso e, por muitas vezes, divertido desta Negrinha tenta jogar um pouco de luz e resgatar a dignidade e a humanidade de boa parcela da população brasileira.
Flávia Marquetti
UM OLHAR PARA O PASSADO: CHÁ DAS DUAS
Fotos: Tadeu Queiroz
O texto é assinado por Márcio Pontes, mas em parceria com as atrizes, como ele deixou claro ao final da peça, demonstrando o trabalho de conjunto e afinação de todo o grupo. Para quem conhece o trabalho de Márcio Pontes, no Polichinelo, não há surpresa no cuidado, no detalhamento de cada frase, objeto, gesto.
Único grupo de Araraquara a ser selecionado, o Grupo Contos e Cantos, representou de maneira impecável a cidade no que há de melhor nesta arte que só se faz com dedicação, empenho, entrega e paixão. E diria mais... representou COM-PLE-TA-MENTE !!!
Flávia Marquetti
quarta-feira, 22 de junho de 2011
O grande grito
Danielle Aquino
A “história de verdade, inventada” por Gabriela Rabelo e dirigida por José Renato, espetáculo endereçado especialmente ao público adolescente (lembro a raridade de dramaturgias e encenações voltadas a esse público), aconteceu na tarde de ontem para uma platéia escolar. O atraso de uma escola colaborou para entrada tumultuada de estudantes despreocupados com seu entorno. Assim, o espetáculo que começou atrasado foi se impondo aos trancos e barrancos e os mais interessados puderam embarcar, meio que atabalhoadamente, na viagem do Grupo Luz e Ribalta, ainda que manifestações gratuitas (falo do riso e das exclamações bobas) seguissem acompanhando determinadas cenas até o final da trama quando o elenco foi – surpresa! - ovacionado como se aquela platéia tivesse assistido ao “maior espetáculo da terra”.
O teatro é uma arte que resulta da combinação de vários elementos que são articulados de acordo com a perspectiva cênica eleita por um diretor ou por quem esteja à frente da encenação. A platéia presente teve ontem à sua disposição a oportunidade de apreciar um espetáculo construído com dedicação onde gravitava a maioria dos elementos que compõe uma encenação própria de um palco italiano: elenco afinado, ótimos protagonistas (incrível a semelhança do ator que interpretou Macunaíma com Grande Otelo, em especial pelo timbre vocal), boa sonoplastia, belo projeto de luz (ainda que muitas vezes tateante provavelmente pelo operador não estar ainda familiarizado com a mesa de iluminação), bonito cenário, figurino e adereços adequados... Um elemento fundamental para que o teatro aconteça é o público. Esse, o único elemento que não pode faltar, foi o que deu o tom desafinado de “O grande grito” (que imagino ter sido também motivo do desabafo final de “Mario de Andrade”).
Mas todos nós fomos crianças e adolescentes. Quando adolescente, o teatro que eu conheci era feito nos circos. Findo os números de variedades e trapézio, a gente corria, cada um com sua cadeira para encontrar o melhor lugar em frente à ribalta. Atentos e encantados acompanhávamos os melodramas e comédias que faziam parte de um repertório comum a todos os chamados circos-teatros.
Sei que quando já não somos crianças ou adolescentes, esquecemos o que fomos e podemos ser mais intolerantes do que o admissível, se é que existe intolerância admissível! Mas como educadores, que também somos, temos que aprender a superar esse traço e educar para além da simples instrução escolar. Ir ao teatro é, ou deveria ser um acontecimento, se as escolas preparassem os alunos para tanto (em especial pelo assunto que serviu de base à autora do texto de ontem: o famoso acervo trazido por Mario de Andrade da pesquisa que o escritor fez no norte e nordeste do Brasil no final dos anos 30 e que ficou largo tempo abandonado). E Mario de Andrade sendo especialmente importante para Araraquara, jamais poderia ter sido recebido como o exemplo da tarde de ontem oferecido pela escola que chegou atrasada para a função. Teatros não admitem atraso, ou não devem admitir, e isso é parte inclusiva da educação por meio disso que chamamos cultura.
Quanto ao espetáculo, tivemos a coexistência em cena de duas realidades: uma imaginária, oriunda de personagens literários, da cultura popular e do “espírito” de Mario de Andrade, e outra extraída da vida anômica do nosso dia-a-dia: família, riqueza, trabalho, juventude, droga, crime... Essa dualidade permitiu à dramaturga oferecer aos espectadores um texto cujo maior mérito, segundo minha leitura, foi transformar o tradicional antagonismo que encontramos na eterna discussão entre civilização e cultura, em especial quando visitamos a herança deixada por Rousseau, no fundamento para armar seu conflito dramático. Assim, estava em cena o tesouro representado pela cultura esquecida, oposto à barbárie de personagens reais que entendem essa palavra apenas como riqueza material feita de jóias, ouro e dinheiro. O olhar lacrimoso de Mario de Andrade, sua incompreensão para com o descaso em relação a valores maiores e sua indignação para com a ignorância, violência e brutalidade do nosso cotidiano, desembocaram no “grande grito” de Gabriela Rabelo, cujo pecado foi não ter logrado se libertar da dicotomia que lhe serviu de base. Não foi um pecado capital, pois seu grito também é nosso!
Eduardo Montagnari
UM OLHAR APRISIONADO: O GRANDE GRITO
Danielle Aquino
O Grupo Luz e Ribalta (SP) trouxe Macunaíma de volta à sua terra, com um texto que busca resgatar um outro lado da vida de Mário de Andrade, o de diretor do Departamento de Cultura da cidade de São Paulo. Dividida em dois planos: o espiritual, onde habitam Mário de Andrade, Macunaíma e Exu; e o real, onde se encontram duas famílias que as vidas confluem para um mesmo drama, a peça se propõe a resgatar as angústias e frustrações de Mário de Andrade diante da realidade social brasileira, com seus projetos abortados durante o governo de Getúlio Vargas.
O cenário, composto por caixas e objetos que remetem aos recolhidos na Missão de Pesquisa Folclórica feita em 1937/38, nos oferece a imagem do aprisionamento e empobrecimento de um ideal perdido no descaso da burocracia e desconhecimento do valor real da cultura. O mundo “real” encontra-se dividido em dois focos: um à direita e outro à esquerda deste universo habitado pelo espírito de Mário, Macunaíma e Exu, evidenciando a ponte pretendida por Mário, diminuir o abismo entre as classes sociais, representadas, na peça, pela classe alta e a baixa.
A dramaturgia se perde um pouco entre esses dois universos: o de Mário e os das famílias, parecendo não conseguir transpor de um mundo ao outro com naturalidade. São dois mundos estanques que criam um desnível na apresentação, como se fossem estranhos um ao outro. Ao menos, foi o que ocorreu à tarde, quando assisti. Deve-se ressaltar que a platéia, composta por jovens de escolas de segundo grau da cidade, também não contribuiu em nada para a boa realização do espetáculo, irrequieta, barulhenta, sem qualquer respeito pelos atores em cena e, aparentemente, sem nenhuma idéia de quem era Mário de Andrade, Macunaíma e o universo literário abordado, conversaram, falaram ao celular, jogaram objetos uns nos outros, gritaram histericamente por nada...enfim, uma cena triste e lamentável, que nada mais fez que aumentar a dor das reflexões de Mário de Andrade no palco.
O destaque da peça fica por conta do ator que interpreta Macunaíma, que nos fez lembrar a todos de Grande Otelo tanto na aparência quanto na qualidade da interpretação.
Flávia Marquetti
terça-feira, 21 de junho de 2011
A SERPENTE
Lívia Cabrera
Lívia Cabrera
As duas experiências que tivemos que provar como público, ontem, na “23ª Semana Luiz Antonio”, foram radicalmente opostas. Saímos do Paço para o Palco do Municipal. Deixamos um espetáculo suspenso na imensidão do ar para entrar no confinamento sombrio de um cômodo familiar. Nada mais contrastante.
Depois de assistir à exibição da “Cia dos Pés”, fomos convidados a mergulhar em outro tipo de aflição estabelecido pelo drama de casais típicos da galeria de personagens compostos por Nelson Rodrigues. Personagens imersos em seus conflitos interiores, inclinados à vulgaridade e incapazes de controlar seus excessos. Personagens que em geral não conversam, mas gritam...
“A Serpente”, drama menor (de um ato) quando o comparado aos outros dramas do autor de “Vestido de noiva” (marco do moderno teatro nacional) também expõe o confinamento e a histeria dos “lares” pequenos burgueses: verdadeiros campos de batalha de personagens atolados numa moral burguesa, que não resistem aos seus impulsos interiores e que se deixam levar por comportamentos que eles mesmos encaram como “sujos” e dos quais não conseguem se livrar. Como em outras peças, esse universo recorrente nas obras de Nelson Rodriguês, foi exposto por um pequeno texto que se alimenta dramaticamente da metáfora anunciada em seu título. Nelson foi por princípio um moralista.
Nada disso é muito novo em se tratando do autor de “Boca de ouro” e, a não ser pela juventude do grupo empolgado com o resultado do trabalho realizado, o que assistimos foi um espetáculo sombrio, principalmente pelo cenário escuro e pelo figurino roxo das duas personagens centrais, em contraste com o vermelho da rápida passagem da empregada mais o branco dos dois buquês utilizados no início da peça e presente no figurino do personagem Paulo. Um ambiente sombrio reforçado pelo roxo da cama, pelo escuro dos adereços de cena e pela iluminação de lâmpadas comuns presas em panelões suspensos que serviram seguidas vezes, aos próprios atores, para focalizarem individualmente os rostos dos companheiros de cena. Recurso que, como o uso das lanternas, só fez acentuar o negror de um palco que a direção entendeu competir ao drama rodriguiniano.
As interpretações do jovem elenco não comprometeram o conjunto frágil do espetáculo e a sonoplastia apenas reforçou o comum de tangos tão recorrentes quando se trata de encenar Nelson Rodriguês. Com a montagem de “A Serpente”, texto que se alimenta do mito que está lá no “princípio tudo”, com Adão e Eva, a “Cia Mênades & Sátiros” de Presidente Prudente, não logrou ser diferente.
Eduardo Montagnari
Assinar:
Postagens (Atom)